Fulcanelli's New World

Javier Bergia - Rupairú

2012-01-27T17:23:00.000+01:00

Javier Bergia nace en Madrid en junio de 1958. Se forma como guitarrista, cantante y percusionista, recibe clases de Gregorio Paniagua, que le inicia en la música clásica y antigua y en los grandes compositores impresionistas, como Ravel, Debussy, Satie, etc. Entra a formar parte como multinstrumentista del grupo de música antigua de su maestro, Atrium Musicae de Madrid. Desde 1984 colabora también con el grupo experimental Finis Africae.
En paralelo a su carrera como cantautor, Bergia desarrolla también proyectos musicales instrumentales, casi siempre en colaboración con Luis Delgado. Muchos de ellos son encargos para series documentales de televisión. Otros aparecen bajo el título de Ishinohana, formado primero por los dos citados y Manuel Illán y reducido luego, con la partida de éste, a dúo.
Tanto en estos trabajos en colaboración como en el disco en solitario Rupairú (Tagomago, 1998) Bergia apuesta por una fusión de música étnica y electrónica, similar en buena medida a la ensayada por Finis Africae.
http://es.wikipedia.org/wiki/Javier_Bergia#cite_note-0
http://www.javierbergia.com/
http://rupairu.blogspot.com/

En el cuadernillo se lee...

Si vas a emprender el viaje a Itaca, pide que tu camino sea largo. Que numerosas sean las mañanas de verano en que con placer, felizmente arribes a bahías nunca vistas; detente en los emporios de Fenicia y adquiere hermosas mercancías, madreperla y coral, ámbar y ébano, perfumes deliciosos y diversos, cuanto puedas invierte en voluptuosos y delicados perfumes; visita muchas ciudades de Egipto y con avidez, aprende de sus sabios.

Konstantinos kavafis
Alejandria, 1863-1933

Rupairú es un album esplendido, una joya de la World Music Española, Javier esta acompañado por un elenco de musicos que quita el sentio, Luis Delgado, Jose Maria Climent, Xavier Macaya, Markus Breuss, Wafir Shaikh, Kepa Junkera, Juan Alberto Arteche, Juan Carlos Fernandez, Carmen Serrano, Clara Serrano, ellos nos llevan en un viaje fantastico a traves de las distintas culturas del mundo

Suleimán

Canción de Primavera Trópico

Cartas de Apulia

Dharamsala

Himalaya

La Hoguera

Mare Nostrum

Kabul

Ballenas

Río Nilo

Man Ting Fang - Good Virtuous

2012-01-24T17:42:00.000+01:00

Man Ting Fang women group of new folk music is one of the representatives of the present new music in China. Since their year, their particular artistic charm is constantly shown on the stages home and abroad, which was highly spoken of by people. They have combined the instruments of yangqin, erhu, pipa, zhongruan, guzheng with many western popular music elements, such as jazz, latin, rock, performing the solemn and implicit traditional folk music in a fashional, passionate and enthusiastic way, which has built a bridge between traditional and modern, narrowing the distance between traditional and modern artistic taste.

Huang Jiangqin: Erhu
Gu Beibei: Zhongruan, Pipa
Miao Xiaozheng: Pipa
Pan Weiwen: Yangqin
Li Ling: Guzheng
Guest:
Wu Guozhong: Dizi/Xiao
Barry: Guitar

01. - Sweet
02. - Ups and Downs
03. - Tonight, Take Care
04. - The Past Can Only Be Recollected
05. - Goodbye, Popular
06. - Hard To Get Together
07. - Where Is My Home
08. - Miss You So Much
09. - Don't Put The Past To Heart
10. - How Do You Say
11. - Late Autumn

Ira Stein & Russel Walder - Elements

2012-01-23T17:00:00.000+01:00

Este es uno de los discos más bellos de los primeros días de Windham Hill
El pianista Ira Stein debutó en 1982 junto al oboísta Russel Walder en la grabación de Elements para el sello de William Ackermann Windham Hill.

Genero: Classical, Jazz
Style: New Age, Contemporary
Credits:
Engineer - Ed Bannon
Oboe - Russel Walder
Piano, Composed By - Ira Stein
Producer - William Ackerman

Track Listings
1. Elements
2. Minou's Waltz
3. Epic
4. Rice Fields
5. Eden
6. Caravan

Ira Stein & Russel Walder - Transit

2012-01-18T17:10:00.000+01:00

En ese entramado de grandiosos instrumentistas que constituía el sello Windham Hill, uno de los primeros dúos en grabar sus composiciones fue el constituido por el pianista de Los Angeles Ira Stein y el oboísta de Illinois Russel Walder, que formaban un conjunto ágil, melódico e imaginativo. Stein y Walder se conocieron en 1981 en un instituto de perfeccionamiento musical, y enseguida congeniaron, tanto en su forma de entender la música (ambos admiraban al grupo Oregon, en especial a otros pianista -Ralph Towner- y oboísta -Paul McCandless-) como en la sonoridad de sus respectivos instrumentos. La melodiosidad del piano y el especial bucolismo del oboe son, en conjunción, un remanso de dulzura, en el que poco importa que el diseño de portada sea bastante mediocre o que la calidad del sonido esté acorde con las pobres características técnicas que pudieron darse hace más de veinte años.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2009/09/ira-stein-russel-walder-transit-en-ese.html

Ira Stein - Piano
Russel Walder - Oboe
Bass [Fretless] - Michael Manring
Drums, Percussion - Kurt Wortman
Edited By - Dawn Atkinson , Stewart Whitmore
Mastered By - Bernie Grundman
Producer - Dawn Atkinson , William Ackerman
Programmed By [Synthesizer], Percussion [Electronic] - Mark Isham
Recorded By [Assistant] - Alice J. Young , K2 (10) , Mark Slagle , Scott Levitin
Recorded By, Mixed By - Howard Johnston
Vocals - Bruce Hornsby , Gunnar Madsen , Matthew Stull , Russell Clark

1. Underground
2. Engravings
3. Marseille
4. Foreign Correspondence
5. Transit
6. Lost Time
7. Circe
8. Calling
9. Suite for Dominique: Over and Under/Round Robin/All Bounced Up

Jim Jacobsen - The Messenger

2012-01-15T19:44:00.000+01:00

En The Messenger su album debut Jim Jacobsen toca una amplia variedad de instrumentos y muestra su habilidad con el clarinete, sintetizador, sintetizador de viento, y Chapman Stick.
Las composiciones son muy variadas y los arreglos imaginativos.
El tono de su forma de tocar el clarinete es especialmente cálido y atractivo.

TRACKS
1 Violetta Jacobsen 3:30
2 Desert Rose Jacobsen 3:38
3 Neither Fish nor Fowl Jacobsen 3:30
4 Clara's Dream Jacobsen 3:21
5 Another Road Jacobsen 4:15
6 Seven Windows Jacobsen 3:59
7 Flying for Centuries Jacobsen 3:51
8 Messenger Jacobsen 3:50
9 Children of the Disappeared Jacobsen 4:39
10 Halflife Hug/Jacobsen 3:41

Madredeus - O Espirito Da Paz

2012-01-12T20:24:00.002+01:00

Hace ya unos cuantos años a un grupo de músicos portugueses les empezó a rondar por la cabeza la idea de explorar nuevas posibilidades a través de la fusión de géneros tradicionales de las tierras ibéricas con la lírica contemporánea.
Cuando esta fusión sólo era una idea, Pedro Ayres y Rodrigo Leao empezaron a reunirse para buscar ese sonido especial en largas sesiones de ensayos. Era el año 1985, y entonces se unieron a la búsqueda dos músicos más, Francisco Ribeiro y Gabriel Gomes.
Ya eran un grupo y el trabajo empezaba a dar sus frutos pero aún faltaba una voz y la voz llegó por casualidad cuando entraron a un bar de Lisboa y descubrieron a Teresa Salgueiro cantando fados en una reunión informal.

Con la inclusión de Salgueiro se completaba el grupo, no había nombre pero eso no los detuvo. En 1987 grabaron 15 temas utilizando como estudio de grabación el Teatro Ibérico, que funciona en lo que fuera un antiguo convento en el barrio lisboeta de Madredeus o Madre de Dios en español.
El disco, titulado Os dias da Madredeus, fue un éxito rotundo y sirvió para finalmente dar nombre al grupo. El sonido innovador de Madredeus hizo crecer su popularidad en Portugal, pero aún faltaba alcanzar otros puertos, como lo hicieron tantos famosos marineros portugueses.

La conquista de otros mundos se consolidó en 1994, cuando Madredeus lanzó su disco O Espírito da Paz, producción que alcanzó el primer lugar de popularidad en las listas españolas y llevó al grupo larga gira internacional que incluyó Brasil y algunos países del lejano Oriente.
http://www.mipunto.com/temas/3er_trimestre06/madredeus.html

Madredeus:

Teresa Salgueiro (vocals);

Jose Peixoto, Pedro Ayres Magalhaes (guitar);

Francisco Ribeiro (cello);

Gabriel Gomes (accordion);

Rodrigo Leao (keyboards).

Tracks
1. Minuete
2. Allegro
3. Destino
4. Silencio
5. Os Senhores da Guerra
6. Pregao
7. O Mar
8. Os Moinhos
9. Sentimento
10. Culpa
11. Amargura
12. As Cores Do Sol
13. Ao Longe O Mar
14. Vem
15. Ajuda
16. O Pastor

Peter Maunu - Warm Sound In A Gray Field

2012-01-10T21:09:00.000+01:00

Peter's musicality and command of many styles has led to recording and live performances with an eclectic group of artists including Airto, Billy Cobham, Jean-Luc Ponty, Heart, L.A. Express, The Pointer Sisters, Wang Chung, Lou Gramm and Bobby McFerrin. In the late 70's, he and several Bay Area friends -- Mark Isham, Patrick O'Hearn, Terry Bozzio -- formed the pioneering instrumental alliance Group 87, which released two ahead-of-its-time albums. Maunu's longtime involvement with composer Isham has encouraged his experimental side, leading to Peter's many contributions in film music ("The Unbearable Lightness of Being," "The Moderns," "Trouble In Mind," and others) Between 1989-94 he was seen on TV nightly with the studio band for "The Arsenio Hall Show." His album Warm Sound in a Gray Field (Narada) is a showcase for his adventurous compositional style.

Tracklisting:
1 Warm Sound In A Gray Field (7:25)
2 My Sky At Twilight (4:54)
3 The Passenger (7:03)
4 Three Spirals (4:17)
5 The Whirling Dervish (4:18)
6 Corridors And Cathedrals (6:23)
7 Out Of The Red Mist (5:27)
8 Broken Blossoms (4:17)

Colin Chin - Intruding on a Silence

2012-01-08T21:39:00.000+01:00

Colin Chin's debut is pretty standard for the genre. Built up around his talented acoustic guitar leads are mostly slow-paced contemporary instrumental soundscapes that feature lush synthesizer beds and typical supplemental instrumentation like wood flute and trumpet. While Chin's flair for arrangement ensures the wholeness of each piece -- especially "Ayers Rock" and "March Through the Queen's Garden" -- all the hissing keyboards have a tendency to overshadow his guitar. Guest shots from Chin's fellow Group 87ers Mark Isham and Patrick O'hearn are also more prominent than Chin's own work, which can sound hesitant at times. Overall, Intruding On A Silence is a satisfactory if not particularly memorable solo debut. ~ Johnny Loftus, All Music Guide

Personnel:
Colin Chin, Randy Sellgren (guitars, keyboards),
Mark Isham (trumpets, piccolo trumpets, flugelhorns),
Patrick O'Hearn (keyboards, bass),
Kurt Wortman, George Marsh, Michael Pluznick (percussion).

1.In Heaven's Wake
2.Ayers Rock
3.Farewell to Innocence
4.Belly of the Beast, The
5.Point of Egression
6.March Through the Queen's Garden
7.In Search of Things Lost
8.Love Sonnet
9.The Alluvial Plains,

Philippe Saisse - Valerian

2012-01-05T12:46:00.000+01:00

El teclista de jazz contemporáneo, compositor y productor Philippe Saisse nació en Marsella y se crió en París, hijo de un productor de personal de CBS / Sony Francia, estudió piano, teoría musical y composición en el Conservatorio Nacional de París, ganando en el Boston Berklee College of Music la prestigiosa Beca de Paul Winter Scholarship después de graduarse en 1975. En Berklee, Saisse se convirtió en el protegido del vibrafonista Gary Burton, que le conduce a tocar con Narada Michael Walden, hizo su debut grabado en 1979 con Al DiMeola en 1979 en Hotel Splendid, y además del jazz también se expandió en el trabajo de sesión del pop con apariciones en Scary Monsters de David Bowie (and Super Creeps), con Chaka Khan en I Feel for You, y en Dirty Work con los Rolling Stones. Saisse también ganó prestigio escribiendo material para DiMeola y Al Jarreau (para quien también co-produjo el LP de 1988 Heart's Horizon), también ha trabajado para David Sanborn como director musical en la música de la serie de televisión Night Music. En 1988 Saisse firmó con Windham Hill para lanzar Valerian su debut como solista...All Music guide
http://www.philippesaisse.com/

Land of the Morning Calm, magnifico tema de su album Valerian una de las mejores grabaciones del sello Windham Hill, este tema me trae muy buenos recuerdos, no paraba de sonar en las emisoras de Radio de la Epoca, en definitiva una joya de la musica Smooth Jazz/New Age

01. Land of the Morning Calm
02. Valerian
03. Chihuahua Pearl
04. God Son Paris
05. Ma Muse
06. Rameau's Nephew
07. Glamorous Glennis
08. I Memoriam Faure
09. Aztec Ace
10. Tiahuanaco
11. Nougaro Groove

Dedicado a mi buen amigo Manolo de Iquique, Chile

Mari Boine Persen - Gula Gula - Hear the Voices of the Foremothers

2012-01-04T21:44:00.001+01:00

Las canciones de Mari Boine están fuertemente influenciadas por su experiencia de pertenecer a una minoría discriminada. Un ejemplo de esto se advierte en su canción 'Oppskrift for Herrefolk' de su CD 'Gula Gula', la cual se encuentra en noruego, a diferencia de todas las demás canciones que están interpretadas en saami, la cual habla directamente acerca del odio y la discriminación e irónicamente recomienda formas para oprimir a las minorías. 'Utiliza la Biblia y la bayoneta'; 'Utiliza los artículos de la ley en contra de los derechos naturales'.

Sus otras canciones son más positivas, generalmente tratan de la belleza de la tierra lapona. El título de la pista 'Gula Gula' le solicita al oyente recordar que 'la Tierra es nuestra madre'. Mari canta en el tradicional estilo folklórico de los lapones, por lo que modula su voz y la acompaña con una amplia gama de instrumentos y percusión. En 'Gula Gula', por ejemplo, los instrumentos que se utilizan son tambores, guitarra, clarinete eléctrico, dozo n'koni, ganga, darboka, timbal, clarinete, piano, saz, bosoki, flauta, campanas, bajo, quena, charango y antara.
http://es.wikipedia.org/wiki/Mari_Boine
http://www.mariboine.no/

01 Gula Gula (Escucha las voces de los antepasados)
02 Vilges Suola (Ladrón blanco)
03 Balu Badjel Go Vuoittán (Cuando gane contra el miedo)
04 Du Lahka (Cerca de ti)
05 It Šat Duolmma Mu (Libre al fin)
06 Eadnan Bakti (A la mujer)
07 Oppskrift For Herrefolk ('Receta para una carrera maestra')
08 Duinne (A tí)
09 Oarbbis Leat (Bonus)
10 Cuovgi Liekkas (Bonus)
11 Gula Gula - Chilluminati Mix (Bonus)

Davy Spillane - A Place Among The Stones

2011-12-30T00:05:00.003+01:00

This is a great album! Spillane mixes some traditional Celtic tunes with new jazzy, new age sounds. He does a lot of remixing, with him playing the low whistle and uileean pipes at the same time. This is kind of quirky, but sounds great. Lots of songs have a free-flowing, magically haunting Celtic hint that only Davy could create. A CD definitely worth buying if you like Celtic/New Age/Good Music.
Amazon...

1. Darklight
2. Promised Rain
3. A Place Among the Stones
4. Western Whisper
5. Starry Night
6. Elgeebar
7. Callow Lake
8. Forever Frozen
9. Alway Travelling
10. Near the Horizon

Patrick Ball - The Music Of Turlough O'Carolan - 1983 Celtic Harp Vol.1

2011-12-26T00:40:00.000+01:00

El arpa que utiliza Patrick Ball está fabricada según la antiguas tradiciones irlandesas. Sus cuerdas metálicas se tocan con las técnicas que trasmitieron los trovadores a través de los siglos...Patrick Ball, inspirado en el arpista del siglo XVIII Turlough O´Carolan nos ofrece 17 piezas instrumentales, de los cuales todas menos dos fueron compuestas por Turlough O'Carolan ...La música de O'Carolan combina la riqueza de las influencias del barroco italiano con el encanto de la cadenciosa música de su Irlanda natal.
http://www.patrickball.com/

1. Carolan's Quarrel With The Landlady 2:33
2. Maurice O'Connor 1:37
3. Blind Mary 3:38
4. Carolan's Receipt For Drinking 2:56
5. Carolan's Ramble To Cashel 2:47
6. Carolan's Welcome 3:23
7. Young William Plunkett 2:27
8. George Brabazon 1:42
9. Lady Athenry / Fanny Poer 4:40
10. Give Me Your Hand 2:31
11. Lady Maxwell 0:55
12. Dermott O'Dowd / The Queen's Dream (Traditional) 3:21
13. Mrs. Judge 2:05
14. Carolan's Farewell To Music 5:00
15. Sheebeg Sheemore 3:04

Marta Sebestyen - Kismet

2011-12-21T18:27:00.000+01:00

Marta creció entre canciones que ella oía en casa a su madre, Ilona Farkas, una etnomusicóloga que estudió con el compositor Zoltán Kodály, quien al igual que Béla Bártok había recopilado miles de canciones populares. Muchas de Transilvania donde sobrevivieron las expresiones más puras del folclore húngaro. De los viajes de su madre, y de los suyos propios, a pueblos y aldeas de Transilvania le quedó un profundo recuerdo.
En Kismet (1996), que firma Márta Sebestyén con arreglos de Nikola Parov, hay canciones rusas, griegas, búlgaras. Hindi Lullabye pone de relieve, la conexión entre la India y los gitanos de Rumania.
Aunque se muestra como un álbum en solitario de Márta Sebestyén, es más una colaboración entre la cantante Sebestyén y el multi-instrumentista Nikola Parov, que interpreta casi todos los instrumentos en el CD. Ambos son artistas con raíces en la música húngara y de amplia difusión de la música de muchas otras culturas.

Marta Sebestyen, Andras Berecz (vocals);
Nikola Parov (guitar, bouzouki, gadulka, kaval, koboz, flute,
whistle, keyboards, bass, drums, tambura, programming);
Peter Eri (mandola);
Zoltan Lantos (violin);
Kornel Horvath (percussion)

1. Devoiko Mome (Traditional (Bulgarian)) 4:50
2. Sino Moi (Traditional (Bulgarian)) 5:44
3. Leaving Derry Quay / Eleni (Traditional (Irish/Greek)) 5:23
4. Gold, Silver or Love (Traditional (Bosnian)) 6:28
5. Hindi Lullabye (Traditional (Indian/Romanian)) 7:51
6. The Shores of Loch Brann / Hazafele (Traditional (Irish/Hungarian)) 4:31
7. If I Were A Rose (Ha En Rozsa Volnek) (Traditional (Baskirian/Hungarian/Russian)) 5:06
8. Imam Sluzhba (The Conscript) (Traditional (Bulgarian)) 6:00

Solas - Solas - 1996

2011-12-18T12:06:00.002+01:00

To push his music into the vocal realm, Seamus Egan has joined three musicians from the When Juniper Sleeps project--fiddler Winifred Horan, accordionist John Williams, and guitarist John Doyle--plus singer Karan Casey to form a band called Solas. Solas, produced by Silly Wizard's Johnny Cunningham, immediately marks this American quintet as a major force in Celtic music. The dance tunes combine rhythmic verve and melodic invention, and the songs give the instruments equal footing with the vocals. Egan's special gifts have never had a better setting. --Geoffrey Himes...Amazon
http://www.solasmusic.com/

John Williams - accordion
John Doyle - guitar
Seamus Egan - flute
Winifred Horan - fiddle
Karan Casey - vocals

1. Nil Na La
2. The Flowing Bowl/Maire Breathnachs #1/The Doon/The Mason's Men
3. The White Petticoat/Stan Chapmans/The Miller's Maggot
4. I Wonder What's Keeping My True Love Tonight
5. The Yellow Tinker/Cranking Out/Master Crowleys #2
6. Crested Hens
7. Johnny's Gone For A Soldier
8. Dougie MacDonalds/Maire Breathnachs #2/The Antrim Rose/Atlantic Wave/Toss The Feathers
9. The Newry Highwayman
10. Gan Ainm/The Humours Of Whiskey/Leslie's March
11. Sliabh Geal Gcua Na Feile
12. Lament For Frankie
13. Timmy Cliffords/The Return Home/O'Ot Be Est Da Vong/John Joe Caseys

Eric Bibb - Natural Light

2011-12-15T19:19:00.001+01:00

Este álbum es un viaje eterno al corazón de Mississippi y Nueva Orleans.
Hay perfumes y notas que nunca mueren. Eric Bibb "el sabio" bien lo sabe. Tranquilo y profundo. Temas sobresalientes, tales como "Champagne Habits", "Higher and Higher" y "Too Much Stuff" realmente empujan los límites del blues acústico hasta donde puede llegar, lo que supone una relevancia y una convicción que no se oía desde los primeros pioneros del blues. Acústico mezclado con eléctrico, guitarra dobro y piano con loops de batería que suenan más contemporáneos para crear un telón de fondo de su voz magnífica y aterciopelada, Bibb crea una atmósfera de pasión casi profética y de sinceridad.
Amazon.

Eric Bibb (vocals, acoustic, electric & 12-string guitars)
Robbie McIntosh, Hubert Sumlin (electric guitar)
Steve Donnelly (guitar)
Janne Peterson (accordion, piano, Wurlitzer piano, Hammond B-3 organ)
Simon Clarke, Roddy Lorimer, Tim Sanders (horns)
Dave Bronze (bass)
Bjorn Gideonsson, Martin Ditchman (drums, percussion)
Henry Spinetti (drums)
Michele John Douglas, Marian Powell (background vocals)

Too Much Stuff 3:43
Home Lovin' Man 3:28
So Sorry 3:10
Tell Riley 3:19
Guru Man Blues 1:48
Every Time It Rains 3:25
Champagne Habits 3:30
Water Works Fine 3:36
Circles 4:21
Right on Time 4:14
Gratefully Blue 3:20
Lucky Man Rag 2:32
Higher and Higher 4:07

Billy Oskay and Micheal O Domhnaill - Nightnoise

2011-12-14T18:43:00.000+01:00

Micheal O Domhnaill estando de gira con el violinista Kevin Burke, una noche de 1979 conoció a otro violinista, Billy Oskay, que tocaba jazz swing en un local llamado 'Brasserie Montmartre'. Enseguida se dieron cuenta que tocando juntos, violín y guitarra, la música fluía con naturalidad, así que grabaron una demo que acabó llegando hasta Will Ackerman, que les fichó para Windham Hill.

Oskay y O Domhnaill fundieron dos tradiciones y les otorgaron una nueva personalidad, colorista, vital, de indudable calidad (tanto de composición como de grabación) y con un aletargado sentimiento irlandés en un envoltorio americano, una suave y aromática mezcla de elementos folclóricos aderezados con un cierto gusto clásico, vistiendo de espíritu celta el variopinto paisaje de Oregón o de esencia jazzística los verdes campos irlandeses.
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com/2010/02/billy-oskay-micheal-o-domhnaill.html

01. Nightnoise 4:14
02. The 19A 3:09
03. Bridges 7:40
04. False Spring 4:12
05. Duo 3:29
06. City Nights 3:26
07. After Five 3:08
08. Menucha (A Place With Water) 4:30
09. The American Lass 3:02
10. The Cricket's Wicket 6:12

Solas - The Turning Tide

2011-12-12T10:29:00.000+01:00

En su nuevo album, The Turning Tide Solas ofrece el virtuosismo instrumental, la energía, la "vena" rítmica y la voz dinámica combinación que ninguna otra banda excepto la Bothy Band ha dominado, y durante más de una década la banda sigue en la cima de su poder. Solas ha sido reconocido como el super grupo de mayor influencia irlandesa-estadounidense.
El álbum ofrece un conjunto bien concebido de melodías y canciones que comparten un tema de fondo la crítica social. No es una idea nueva para la banda en las entregas anteriores "Pastures of Plenty" y en "The Wind That Shakes the Barley" son canciones fundamentales en el repertorio de Solas, esto es un concepto que pone de relieve la mentalidad actual de los miembros de la banda.

El multi-instrumentista y miembro fundador Seamus Egan explica: "No estamos tratando de predicar o hacer una declaración general sobre el mundo, sólo es el tipo de material hacia donde los miembros de la banda han gravitado."
Fuente:Amazon

Personal
Seamus Egan (flute, tenor banjo, mandolin, whistle, guitar and bodhran),
Winifred Horan (fiddle),
Mick McAuley (accordion and concertina),
Eamon McElholm (guitar and keyboards)
Mairead Phelan (Vocals)

Track Listings:
01. Hugo's Big Reel
02. Poor Ditching Boy
03. The Crows of Killimer/Box Reel #2/Boys pf Malin/The Opera House
04. Girl in the War
05. A Waltz For Mairead
06. The Ghost of Tom Joad
07. A Sailor's Life
08. Grady Fernando Comes To Town
09. Sadhbh Ní Bhruineallaigh
10. Trip to Kareol
11. Sorry
12. A Tune For Roan

Silly Wizard - The Early Years - 1976

2011-12-05T15:13:00.000+01:00

Silly Wizard fue una banda de folk escocés, formada alrededor de 1971 en Edimburgo por Johnny Cunningham (violín, viola, mandola, voz), Bob Thomas (guitarra, mandolina, mandola, banjo, concertina) y Gordon Jones (guitarra, bodhrán, voz, bouzouki, mandola).
Actuaron en el Triangle Folk Club durante un tiempo, dando posteriormente una gira por Francia en 1972. Poco después firmaron un contrato con Transatlantic Records para grabarun álbum con Maddy Taylor, quien había cantado con ellos en la gira. El álbum fue grabado, pero nunca llegó a ser comercializado.
La banda, a continuación, incorporó a Phil Cunningham, (acordeón, tin whistle, Armonio, Sintetizador, guitarra, voz), Alastair Donaldson, Martin Hadden (bajo, guitarra, piano) y Andy M. Stewart (voz, whistle, banjo). Su primer LP publicado fue Silly Wizard, con el que comenzaron una gira por Europa. Hubo algunos cambios de formación antes de grabar su segundo LP, Caledonia's Hardy Sons (Highway Records).
Silly Wizard tocó una gran variedad de música folk escocesa, instrumental o no, desde rápidos jigs o reels hasta aires lentos. Mientras la mayoría de la música que tocaban eran temas tradicionales, la banda también compuso varias por su propia cuenta. Phil Cunningham compuso generalmente temas instrumentales centrados en el acordeón, y Stewart compuso varias canciones a menudo claramente tradicionales. El sonido global del grupo cambió poco hasta su último álbum, A Glint of Silver, que introdujo el sintetizador como una parte prominente de la banda, dándoles un sonido ligeramente New Age.
Continuaron grabando hasta los últimos años de los 1980s, cuando la banda finalmente se separó tras actuar durante diecisiete años, y publicar nueve álbumes.
Johnny Cunningham murió el 15 de diciembre de 2003, en New York.
http://es.wikipedia.org/wiki/Silly_Wizard
More info...http://www.harbourtownrecords.com/silly_wizard.html

01 - Pibroch
02 - Jenny Gray's Whiskey
03 - The Wind That Shakes The Barley,The Ale Is Dear
04 - Carlisle Wall
05 - My Love's In Germany
06 - Election Jig
07 - The Heron Election Ballad No. 4
08 - Atholl Braes,The Drunken Piper
09 - The Shearing
10 - The Fairy Dance
11 - Land O' The Leal

Tang Jun Qiao - Magical Flute Of China - Portrait of Dizi Master

2011-11-30T20:39:00.001+01:00

El Dizi (flauta de bambú china) es uno de los instrumentos más populares en toda Asia, apreciada por la belleza de su sonido, su accesibilidad para los musicos aficionados, su peso ligero y bajo costo. Tang Jun Qiao es la nueva maestra de la flauta tradicional china, que ahora enseña en el Conservatorio de Música de Shanghai.

En esta grabación esta acompañada al Yang Qin por Ying Hao Tong.

Tang Jun Qiao, dizi

Ying Hao Tong, yang qin

1 Morning, for dizi & yang qin
2 Paean of Yi River, for dizi & yang qin
3 Little Buffalo Cowboy, for dizi & yang qin
4 Jolly Meeting, for dizi & yang qin
5 Impression of Mt. Qianshan, for dizi & yang qin
6 Mysterious Tune from Lang Ya, for dizi
7 Spring Visiting Xiang Jiang River, for dizi & yang qin
8 Solitary Orchid Greeting the Spring, for dizi & yang qin
9 Vegetable Vendor (Shanxi folk tune), for dizi & yang qin
10 Blue Canopy, for dizi & piano

Amanaska - Circles

2011-11-27T18:58:00.000+01:00

A cultural feast of eclectic music for lovers of world fusion, Amanaska’s Simon Lewis has created a global musical masterpiece! Recorded in the UK, USA, India and Melbourne, this mid to down tempo album is a richly layered musical experience that blends organic sounds and electronica with worldly and spiritual influences. A supreme mix of female and male vocals peppered with ethnic harmonies and beautiful string arrangements, alongside earthy percussive elements and moody hypnotic rhythms and beats. This lushly produced collection of tracks transports the listener through chilled beats to vibrant grooves, all the while encapsulating a mood of sophistication and innovation. Circles sets a new benchmark in the global fusion genre and takes you on a journey that leaves a memorable musical imprint on the listener.
http://www.oneworldmusic.com.au/p-10-amanaska-circles.aspx
http://www.simonlewis.com.au/AMANASKA/amanaska06/amanaskabio06.html

Simon Lewis combina elementos del espiritismo tribal, gentileza vocal rica y maravillosa electrónica. El resultado de la fusión es un sonido que es a la vez profesional y profundo, que tiene momentos de tranquilidad euforia y éxtasis para los oídos. Sin duda un tremendo esfuerzo durante todo el segundo álbum después de su disco debut Panorama.

Amanaska:

Simon Lewis, Stephen Joyce

01. Dream
02. Sleep
03. Circles
04. Make It Better
05. Floating Downstream
06. Falling Up
07. Bag The Lama
08. Bengal Bay Sunset
09. Border Crossing
10. Drift
11. Orange Peel
12. Far From Home

Tulku - Seasons of Souls

2011-11-25T20:04:00.000+01:00

Tulku we are graced with voices from Persia, Aboriginal Australia, Egypt, India, Mayan culture and Native America. As we transformed this recording from concept to reality we were taken by the universality of these voices - the absolute common ground that is shared - the one voice from which all voices originate.
http://www.tulkumusic.com/html/tulku.html

Personal:
Mamek Khadem, Ia Kamandalu, Verdell Primeaux, Johnny Mike, Tonello Greenfield, Robert Eagle Hawk (vocals); Don Alejandro Ciril Perez Oxlaj (spoken vocals); K.D. Kagel (vocals, harmonium); Ashley Dargan (vocals, didgeridoo); Daoud Al Jerrahi (vocals, tambur); Loga Ramin Torkian (quartertone guitar); Tim Reynolds (guitar); Paul Brown (oud); Alicia J. Ultan (viola); David Bilides (santouri, kaval); Richard Larsen (harmonium); Jim Wilson (keyboards, synthesizers); Steve Tavagilione (ewi); Paul Brown (acoustic bass); Steve Snow (bass,programming); Jeff Sussman, Poly Tapia Ferber (percussion).

1-MEENA DEVI
2-HEART OF HEAVEN, HEART OF EARTH
3-FIELDS OF OFFERING
4-SPIRAL DANCE
5-COLD MOUNTAIN MELTDOWN
6-TIPARI
7-THE FALCON
8-THE FIRE THAT SPEAKS
9-LIFE ETERNAL
10-SEASON OF SOULS

Shadowfax - Shadowdance

2011-11-25T19:12:00.001+01:00

Shadowfax fue un cuarteto instrumental de música contemporánea liderado por el guitarrista G. E. Stinson, y el saxofonista/músico de liricón (especie de clarinete sintetizado) Chuck Greenberg. Sus piezas, casi siempre tranquilas, estaban llenas de solos cuidadosamente ubicados e interpretados con instrumentos claramente delineados. Un auténtico grupo, Shadowfax puede escucharse con placer tanto por sus instrumentistas individuales como por su sonido de grupo, en éste su tercer disco segundo para WH y los siguientes discos que grabaron en Windham Hill.
Wikipedia

Blue Planet - Peace For Kabul

2011-11-18T20:07:00.000+01:00

¿Cómo pueden conjuntar las flautas y teclados de Lenny Mac Dowell, el oud y las voces de Dhafer Youssef y las percusiones de Hakim Ludin? De maravilla: creedme. Porque eso es lo que es Blue Planet: un grupo de tres músicos que sorprende con sinceridad.

Cuando Lenny Mac Dowell nos adelantó que estaba trabajando en este proyecto no podíamos sospechar que sería algo como esto. Escuchar Peace for Kabul ha supuesto una pequeña revelación. Y es que lo que han conseguido estos tres hombres es algo verdaderamente original (lo cual es realmente difícil hoy en día). Nada de ritmos occidentales y sonoridades modernas apoyadas por tecnología deslumbrante, sino una sencillez y claridad de ideas total a la hora de transformar en música sus experiencias.

Blue Planet es un grupo de world music con autonomía propia dentro del rico y variopinto mundo discográfico. Lejos de subirse al carro de las modas para intentar coger una parte del pastel, Blue Planet reivindica desde su forma de hacer música que nos encontramos en un mundo en donde debemos permanecer unidos y convivir de forma pacífica.

A estas alturas de la historia ya no se puede hablar de música del pasado que se
prolonga hacia el futuro, sino más bien de la auténtica música del presente.
Sonoridades orientales, africanas y europeas se dan la mano en un disco colorista y muy auténtico.

No es una bomba comercial dispuesta a vender miles de copias, pero tampoco es un disco aburrido en absoluto. Blue Planet ha sabido encontrar un punto de equilibrio que le da clase y elegancia: tiene el prestigio de las cosas bien hechas. E incluso, precisamente por eso, cuando lo escuchas por segunda vez te das cuenta del gran potencial que se esconde tras estas mentes.

Peace for Kabul es un album hecho con los pies en el suelo y la mente en el cielo. Como deben hacerse las cosas. Seguro que para cuando saquen el próximo habrá alguien que los "descubra" y nos dirá lo buenos que son.
http://www.lostfrontier.org/discos/peace_for_kabul.html

"For lovers of ethno-ambience (à la Rabih Abouh Khalil), Blue Planet's Peace For Kabul offers up hypnotic and crisp and exotic percussion courtesy Hakim Ludin and the contemplative flute playing of Lenny MacDowell. Timely music for a time that needs it."

Flute, Keyboards – Lenny Mac Dowell

Mastered By – Edo Zanki

Percussion – Hakim Ludin

Producer – Hakim Ludin, Lenny Mac Dowell

Vocals, Oud – Dhafer Youssef

1 Ja Joma (Hey Mother)
2 Blue Planet
3 Peace For Kabul
4 Lost Garden
5 Voice Of The Dessert
6 Rose of Tunis
7 Bamboo Bridge
8 Snake Dance
9 Likan
10 Full Moon

Blue Planet - Masala

2011-11-18T19:54:00.001+01:00

Lenny Mac Dowell has become well-known through his innovative modern style and also as composer and producer. Many CD productions, with him as studio musician and producer have been released. He has released own productions, such as Autumn Breath, Flying Torso, The Farthest Shore, Flute Power, Radioactive, Echnaton's Return, Balance of Power and compositions for documentary film productions. Unusual spectacular flute sounds are his way of transporting the flute into another dimension. Together with Hakim Ludin, Lenny Mac Dowell founded Blue Planet, always bringing in new international musicians, giving each release an extraordinary sound and thus becoming a part of his creative field as musician and producer.
http://www.amazon.com/Masala-Blue-Planet/dp/B00005YEWY

Blue Planet:

Lenny MacDowell (various instruments, flute, synthesizer);
Hakim Ludin (percussion);
Neyvell B. Venkatesh (mridangam);
Ganesh, Kumaresh (violin).

1 Kharma
2 Ludi Garden
3 Lotus
4 Ganesh
5 Carnatic Blues
6 Masterpiece
7 Latin Masala
8 Lovely Moon

Đức Thành - Đàn Bầu 2&3

2011-11-14T16:36:00.001+01:00

De acuerdo con el "Dai Nam Thuc Luc tien bien", el primer Dan Bau se hizo en 1770, sin embargo, muchos estudiosos estiman su edad de hasta mil años más que eso. Una leyenda popular de su inicio habla de una mujer ciega que tocaba en el mercado para ganarse la vida para su familia mientras su marido estaba en guerra. Si esta historia se basa en el hecho o no, lo cierto es que el Dan Bau históricamente ha sido interpretado por músicos ciegos. En su primera aparición, fue un instrumento muy simple formado por una sección de bambú, una varilla flexible, una calabaza o la mitad de un coco. Después de un proceso de evolución y mejora, la forma actual de la Dan Bau es un poco más sofisticado, sin embargo, sigue siendo bastante simple. Hasta hace poco, su volumen suave limitado el contexto musical en el que podría ser utilizado. El Dan Bau, se toca en solitario, es fundamental para la música popular vietnamita, un género que hoy en día sigue siendo popular en el país. Su aplicación tradicional es como acompañamiento de lecturas de poesía.

La palabra "monocorde" significa literalmente "una cuerda". En el monocordio, una sola cuerda estirada sobre una caja de resonancia. La cadena se fija en ambos extremos, mientras que un campo de puente móvil la altera. Originalmente, el Dan Bau era de sólo 4 partes: un tubo de bambú, una varilla de madera, una media cáscara de coco, y un cordón de seda. La cadena se encadena a través del bambú, atada en un extremo de la varilla, que es perpendicular unido al bambú. La cáscara del coco se adjuntó a la barra, que sirve como resonador.

En los últimos años, el Dan Bau se hace con mucho cuidado para asegurar la calidad estética y el sonido. Cuando se toca en público, se utiliza a menudo con un amplificador electrónico. Se ha logrado éxito en la amplificación del sonido, provocando un aumento en el volumen y la distancia que el sonido se propaga, sin dejar de preservar la calidad del sonido. El instrumento se toca en solitario o para acompañar un recital de poesía. Durante los últimos años, ha tomado un papel en el acompañamiento orquestal en la Cheo y Cai Luong ópera.

La ejecución del Dan Bau es simple pero requiere una gran precisión. El dedo meñique de la mano derecha suavemente golpea la cuerda en uno de los siete nudos de uso general, mientras que los otros dedos pulsan la cuerda con una púa larga. Con la mano izquierda, el musico puede empujar la varilla flexible hacia el instrumento con el dedo índice para disminuir el tono de la nota, o puede tirar de la varilla de distancia del instrumento con el pulgar para elevar el tono de la nota. Esta técnica se utiliza tanto para tocar las notas no están disponibles en un nodo, así como para añadir vibrato a cualquier nota.

Pham Duc Thanh

Pham Duc Thanh is a world-renowned musician known for his masterful ability on the Vietnamese one-stringed instrument (Dan Bau). He was born in 1958 in Ninh Binh , Vietnam . His talent was fully apparent from his youth: he was adept at the ChÃ¨o drumming style at age 4, he learned the mandolin at age 5, and he had begun playing Dan Bau (monochord) and Dan Nhi (2-string fiddle) at the age of 5. In 1974, Duc-Thanh left Hanoi to join the largest Cheo opera troupe in Vietnam and officially became a professional Dan Bau performer.

At the end of 1978 he was the only Dan Bau musician of the Cheo opera stage to attend the national Dan Bau competition of Vietnam in Hanoi ; soon after, he went to Saigon to study further the music of central and southern Vietnam . In October of 1983, he graduated with top honors from the Center for Musical Research of Vietnam. It was here that he became recognized as one of the rising musicians on Dan Bau in traditional as well as modern music.

He and his family moved to Canada in 1996. Today, he is an adored performer in Montreal . Beyond the traditional music of Vietnam , he has used the Dan Bau to integrate seamlessly with the sounds and rhythms of various ethnic sounds from around the world, following in the words of the poet Van Tien Le:
http://www.phamducthanh.com/

Đức Thành - Đàn Bầu 2 - Làng Tôi (2001)

Đức Thành - Đàn Bầu 3 - Giọt Mưa Thu (2003)

Zbigniew Preisner - Fairy Tale A True Story

2011-11-13T19:41:00.002+01:00

Dos niñas hacen públicas unas fotos de unas hadas que han captado a poca distancia de su casita en la campiña inglesa. El revuelo recorre todo Reino Unido, y figuras tan importantes como Sir Arthur Conan Doyle y el mago Harry Houdini, entonces en el país de gira, se interesan por el caso.

La música de Zbigniew Preisner, no sólo te puede llevar de vuelta a los momentos muy de cuento de hadas para el que fueron compuestas, sino que evocan emociones que van mucho más allá de la narración.

01 - Houdini
02 - Fairytale
03 - Alone In The Attic
04 - Frances
05 - Strange Meeting
06 - Wing Of An Angel
07 - The Beck
08 - I Wish She Could See Them
09 - The Angel Of Mons
10 - They Are True, Aren't They?
11 - Those Wings Were Moving
12 - Sir Arthur Conan Doyle
13 - The Journey North
14 - The Dollhouse
15 - The Corporals Story
16 - Invasion Of The Beck
17 - Leaving For London
18 - Adventures In The City
19 - Checkmate
20 - Joseph
21 - The Coming Of The Queen
22 - Believe

Anúna - Anúna (1993)

2011-11-11T16:27:00.000+01:00

La música antigua y medieval de Irlanda ha sido todo, pero..se perdio a excepción de unos pocos fragmentos extraños y hermosos. La idea de Anúna creció de su fundador y director Michael McGlynn con la exploración de esta música que está en la raíz misma del mundo celta, tanto en el pasado y el presente. El mundo sonoro creado por Anúna rompe las barreras fina entre lo espiritual y lo secular, y ha creado una forma única e inolvidable que ha puesto el grupo a la vanguardia de la nueva era de la música irlandesa y el mundo.

Anuna's repertoire includes traditional Irish music of the Middle Ages, along with more recent spiritual and secular songs.

Anuna: John McGlynn (vocals, guitar); Caron Hannigan (vocals, violin); Mairead Ni Fhaolain (vocals, Irish harp); Michael McGlynn (vocals, whistle); Katie McMahon, Monica Donlon, Peter Harney, David Clarke, Richard Boyle, Tony Davoren, Sara Clancy, Emer Lang, Paula Byrne, Stephen Kenny, Shane Lillis, Tara O'Beirne (vocals).
Additional performer: Lloyd Byrne (percussion).

1. Media Vita
2. The First Day
3. Invocation
4. The Raid
5. Sanctus
6. Pater Noster
7. Faigh An Gleas
8. Suantraí
9. Bean Pháidín/An Poc Ar Buile
10. Cormacus Scripsit
11. Silent, O Moyle
12. Jerusalem
13. Fionnghuala
14. Crist And St. Marie
15. The Blue Bird
16. Sí Do Mhaimeo Í

The Rough Guide to the music of Vietnam

2011-11-10T23:20:00.000+01:00

The apocalyptic image of Vietnam in the movies is a far cry from the reality of later-day Vietnam - a dynamic country with an ancient and vibrant culture combining Eastern, and in recent years, Western influences. Featuring some of the biggest stars of contemporary Vietnamese music, key regional styles, popular folk songs and ancient court music, The Rough Guide To The Music Of Vietnam offers a unique insight into one of the world's least understood nations.

La imagen apocalíptica de Vietnam en el cine está muy lejos de la realidad de hoy día, Vietnam es un país dinámico con una cultura antigua y vibrante la combinación de Oriente, y en los últimos años, las influencias occidentales. Con algunas de las más grandes estrellas de la música contemporánea vietnamita, estilos regionales clave, coplas y música de la corte antigua, The Rough Guide To The Music Of Vietnam ofrece una visión única de una de las naciones menos entendidas en el mundo.

1. HUONG THANH - Crossing The Valley
2. THAN QUY - Ngoi Tua Song Dao (Sitting By The Peach Mullioned River)
3. CAM LY - Em Gai Que
4. BLUE ASIA - Blue Requiem
5. THU HIEN - Cau Doi Cau Cho
6. KIM SINH - Li Giao Duyen
7. KHAC CHI ENSEMBLE - On The Bamboo Bridge
8. TRANH SAO BAO - Ly Con Sao
9. HUY DU, TUYET TRING - Kim Trọng Tuong Tu Thuy Kieu
10. NGUYEN THANH THUY - Luyen Nam Cung
11. VAN KHANH - Dem Phuong Nam Nghe Cau Ho Hue
12. QUANG LINH - Toi Yeu
13. CHAU DINH & CA HUE ENSEMBLE - Ten Reasons Why We Love Hue Girls
14. DAN BAO VIETNAM - Rider In The Sky (Live)

Fan Zong Pei - Crystal Classics

2011-11-10T20:06:00.001+01:00

Album de la serie Crystal Music, cuenta con un innovador instrumento musical, que se asemeja a un xilófono y tiene un conjunto de teclas, especialmente hechas a partir de cristales naturales. El 'feng-jing qin' produce sonidos inusualmente claros que están influenciados por la energía liberada de cristales naturales. Esta música es ligera y suave, refrescante y relajante.
http://www.windmusic.com.tw/en/pro_list.asp?LIB_ID=E&SET_NO=EX07&id=05

01. S.Rachmaninov - Variation #18 Eighteenth Vanation from Rapsodie On A Theme of Paganini
02. J.Offenbach - Les contes d'Hoffmann
03. A.Dvorak - Alsidie alte Mutter mich noch lehrte
04. F.Shubert - Standchen
05. S.Rachmaninov - Vocalise
06. E.Satie - Gymnopedies
07. M.Ravel - Pavanepo U Tunelnfante Defunte
08. I.S.Bach - BWV 1031
09. C.Debussy - Reverie
10. E.Grieg - Morgenstemning from Incidental music Peer Gunt
11. C.W.Gluck - Ballet des champs - elysees from Orfeo ed Euridice

V.A. - The Shrine Afrodigital

2011-11-04T18:36:00.002+01:00

Afro-Digital - The Future Sound of the Motherland es una compilación de 13 temas
de los DJs Santuario, Nikki Lucas, Rita Ray y Max Reinhardt. Inspirado, por
supuesto, por el club legendario de Fela Anikulapo Kuti en Lagos, el trío ha
seleccionado las pistas que mejor ejemplifican la música africana moderna. Como
representante de las pistas son sacados de bien conocidos y no tan conocidos
artistas de Sudáfrica, Argelia, Costa de Marfil, Cabo Verde, Malí, Senegal y
Nigeria, no hay estilo definido.

El factor de conexión es un profundo aprecio por el funk y el flujo. Tony Allen, arreglista principal Kuti y el batería comienza el álbum con "Ariya", una excursión afro-beat llena de grasa Fender Rhodes, late un gran tambor y una voz maravillosa. Posteriormente, el "Afro-Digital" viaje se las arregla para darnos un poco de Wassolou con la cantante
diva de Mali, Mamou Sidible, desde Senegal el grupo, Kantiolis con un profundo hip-hop y un salto de la casa el remix de Femi Kuti "Sorry, Sorry" del maestro francés, Francois K. Le sigue "Nakhla" de Cheikha Rimitti Rai de Argelia, de Sudáfrica Chicco el rei de la discoteca, y Cesaria Evora (en una mezcla de gran cuerpo y el alma de "Carnaval de Sao Vicente") aparecen nuevos nombres, como
Viviane N'Dour y dantai que realmente hacen de este balanceo un maravilloso
álbum.

1. Ariya (Afrobeat Straight Mix) - Tony Allen
2. Nimissa - Mamou Sidibe
3. Comportement - Kantiolis
4. Modjadji (The African Dub) - Chicco
5. Sorry Sorry (Old Skool Afro Dub/Francois K. Mix) - Femi Kuti
6. Lanaya - Issa Bagayogo
7. Nakhla - Cheikha Rimitti
8. Goor Fit - Viviane N'Dour
9. Carnaval De Sao Vicente (Body & Soul Vocal Mix) - Cesaria Evora
10. Ekabo (Afro-House Mix) - Masters At Work
11. Leaving - Dantai
12. African Loops - Lukas Ligeti & Beta Foly
13. Fete - Babacar Faye

Gaudi - Bass, Sweat & Tears

2011-11-04T17:53:00.000+01:00

Gaudí cultivó su obsesión con la música mediante la constante búsqueda y
experimentación con nuevas formas de los sonidos y ritmos. Un pianista de
formación clásica, con una fascinación por todo lo que puede producir la
distorsión del sonido, sus fundamentos musicales se pusieron en electrónica y la
reggae music.

Bass, Sweat & Tears lleva al oyente a un viaje desde Burkina Faso a Irán, de Pakistán y la India del Norte a Papua Nueva Guinea y de los bosques tropicales del Amazonas a Italia y España. Una obra sugerente, profunda y elegante en el que los temas indígenas y global beats se complementan entre sí.

La clave en esta obra de Gaudí es unificar las diferentes formas de la música y
representarlas en su propio estilo personal, mientras que al mismo tiempo, lo
más importante, es mantener el corazón y la importancia de las raíces
culturales.

En la realización de este álbum, trabajaron con Gaudí un total de 42 músicos de
todo el mundo, creando una mezcla de las influencias globales que evaden la
categorización y reflejan plenamente la filosofía de que sea cual sea el rincón
del mundo de donde vienen, siempre es buena música.
Style: Dub, Latin, Downtempo, Tribal, Ambient

GAUDI : BASS, SWEAT &
TEARS (Interchill Records 2004) album teaser by GAUDI

1. Tribalove 6:05
2. Sufani 5:35
3. Dub It 4:21
4. Babylon Flamenco 5:27
5. Ayahuasca Deep Fall 5:48
6. Chaine A Chaine 5:06
7. Ci Fice Lu Mundu 4:45
8. Native Dub 5:19
9. Tutta Pe' Me 5:23
10. ...And The Earth Said: Oh My God! 5:43
11. Kimiyaa E Moraad 2:10
12. Theremystical 4:55
13. Meena 4:37
14. Truthful Old Man 4:32
15. Chant Thermique 7:12

Didier Malherbe - Fluvius

2011-11-04T17:14:00.001+01:00

En 1994 Didier lanza su cuarto disco en solitario Fluvius, con cada álbum,
Didier sorprende al oyente con instrumentos recién descubiertos y
dominando los sonidos, por lo que cada grabacion es única por sí misma, llena de
un entusiasmo fresco y espíritu de aventura.

Este album completa la serie de los cuatro elementos: Bloom-tierra, Fetish-
fuego, Zeff-aire, Fluvius-agua.

Didier Malherbe: Flute alto, piccolo, bamboo, saxophone sopranino, soprano,
alto, tenor, clarinette alto, tenor
Henri Agnel: Oud, sarod, flamenco guitar, rebec, treated piano, rings, t'bel
Loy Ehrlich: Hajouj, bolong, kora, pianos, V.F.X., ASR10, percussions
Shamal Maïtra: Tablas, darbouka, ghatam, various percussions

1 La Source
2 Petit Torent Deviendras Grand
3 Pyxie Java
4 La Bougeotte
5 Broken Waves II
6 Trashville
7 Serpent D'Etoiles
8 Au Moulin D'Ande
9 Guadalquivir
10 La mouette
11 Blues de L'Horizon
12 Retour aux Sources

L.S Kancana Sari - Kacapi Suling Bangbara [Sundanese Flute]

2011-11-01T17:28:00.000+01:00

El encanto nostálgico del Sundanese gamelan degung presuntamente se remonta a la dinastía Bajajalan (1333-1579), y continuó desarrollandose durante el gobierno holandés. Por lo general es realizado por un pequeño conjunto de siete músicos que tocan gongs diferentes; suspensión (jengglong), metalófonos (un xilófono de metal llamado Bonang) y dos tipos de sarons o glockenspiel. El ritmo con el apoyo del doble tambor de madera kendang, aunque el instrumento más característico es el Suling, una flauta de bambú.

Parahyangan (Hogar de los Dioses), en el oeste de Java, es un área de la Sunda donde viven unos 31 millones de Sundaneses. Este CD de L.S Kancana Sari uno de los mejores músicos Sunda es de canciones populares Sundanesas hecho con el estilo del gamelan degung, con sonidos suaves, cadenciosos de cítaras, flautas y xilófonos.

1. L.S Kancana Sari – Landangan Naek Ngahelas (8:47)
2. L.S Kancana Sari – Bangbara (6:46)
3. L.S Kancana Sari – Santika (6:59)
4. L.S Kancana Sari – Hariring Bandung (6:53)
5. L.S Kancana Sari – Adu Manis (6:15)
6. L.S Kancana Sari – Taman Priangan (5:12)
7. L.S Kancana Sari – Jaka Sunda (10:49)
8. L.S Kancana Sari – Walang Sungsang (7:51)

Butterfly Girls Band - Dancing Skirts In Flying Flowers

2011-10-28T18:35:00.000+02:00

Este album es un verdadero placer para los amantes de la música tradicional china! La Banda Butterfly Girls Band, no son jovenes rebuscadas knock-off de la banda de 12 Girls. Por el contrario, Butterfly Girls Band consisten en jovenes artistas seleccionadas de la Orquesta tradicional de Zhejiang, incluyen instrumentos de cuerda y viento del sureste de China. La banda combina canciones, y bailes tradicionales con estilo ágil y vivaz con el sabor único de Jiangnan.

01. Instrumental Ensemble Happy Song (4:52)
02. Sheng Solo Ding Ding Dang (5:59)
03. Dance Accompaned by Music Small Rainbow Skirt (9:15)
04. Pipa Solo Lv Yao (6:49)
05. Alto Fiddle Solo Song of Regions of Rivers and Lakes (4:46)
06. Bamboo Fluet and Band Three, Five and Seven (4:23)
07. Pipa and Guzheng Embroidering Girls (5:10)
08. Chines String Quintet Soaring Dragon (7:15)
09. Chines String Quintet Pamper Imagination (6:57)
10. Guzheng Solo Spring Dawn in a Village of She Nationality (4:25)
11. Dulcimer Solo Introduction and Rondo (10:47)
12. Instrumental Ensemble The Dance Music of Pickimg Tea (3:17)

Lansiné Kouyaté & David Neerman - Kangaba

2011-10-28T17:41:00.000+02:00

Lansine Kouyaté comenzó a tocar el balafón a los cuatro años. A los trece ya era miembro de la prestigiosa Orquesta Nacional de Malí. Desde entonces colaboró con grandes artistas africanos como Salif Keita, Baaba Maal o Mory Kanté… Su talento y curiosidad innata le permitieron tocar también con prestigiosos músicos occidentales como Joe Zawinul, Carlos Santana, Omar Sosa o el Ballet Bejart. Entre sus grabaciones destaca "Sarala" con Hank Jones y Cheik Tidiane Seck.

David Neerman estudió percusión clásica en Ginebra antes de tocar jazz y música improvisada con el vibráfono en la escena parisiense, también fue músico de sesión. Después de trabajar para Youn Sun Nah y la compañía del teatro Phrenesis de París fue cuando ocurrió el encuentro con Lansine en 2003.

El entendimiento fue instantáneo, hasta que después de jornadas enteras de improvisación comenzaron a construir gradualmente un repertorio personal inspirado en canciones tradicionales mandinga, en el afrobeat, el son y la música popular francesa de 1930. Después de algunos conciertos todo cristalizó en su nuevo álbum titulado Kangaba.
http://www.crisoldemusicas.com/2008/06/kouyat-neerman.html

Personal
Lansiné Kouyaté - balafon
David Neerman - electric & acoustic vibes
Ira Coleman - bass
Laurent Robin - drums

Tracklist:
01 - Here
02 - Djanfa Magni
03 - Niokomé
04 - Boroba
05 - Tiziri
06 - Bamanan Don
07 - Le Destin Ii
08 - Touma
09 - Momo
10 - Kangadub

Ron Allen & One Sky - Tao Music For Relaxation

2011-10-27T19:53:00.001+02:00

Inspirado en los principios taoístas suave en la simplicidad y el equilibrio, estos sonidos suaves invitan a la reflexión, la meditación y la relajación con cada nota. La instrumentación incluye tabla, dilruba, erhu, ocean drum,, bajo fretlass, guitarra, percusión y voces.

Bass [Fretless] – Steve Payne
Chalumeau [Xaphoon] – Ron Allen (2)
Dilruba – George Koller
Drums – Gurpreet Chana
Erhu – George Gao
Flute [Bamboo] – Ron Allen (2)
Guitar – Rob Carrol
Keyboards – Ron Allen (2)
Mixed By – Ron Allen (2), Steve Payne
Percussion – Kevan McKenzie, Ron Allen (2)
Piano – Ron Allen (2)
Tabla – Gurpreet Chana
Vocals – Shannon Kingsbury

01 Tao 05:11
02 Earth 02:05
03 Sky 07:00
04 Kindness 06:38
05 Wisdom 09:32
06 Reason 02:32
07 Eternal 08:48
08 Sage 06:01
09 Be 05:14
10 Harmony 05:45

Pravana - Eastern Meditation - Music From Bali To Tibet

2011-10-27T19:20:00.000+02:00

Eastern Meditation es la tercera aventura sónica de Pravana, la fusión de los sonidos ancestrales de Oriente con las llamadas indígenas del didgeridoo. Utilizando el lenguaje universal de la música, Pravana le llevará en un viaje encantador a tierras exóticas y más allá con una singular fusión de sonidos que resuenan y reverberan proporcionan una banda sonora fresca e inspiradora para la meditación, el yoga y el ensueño. Vamos a Oriente.

La meditación te llevará en un viaje maravilloso con un espíritu de paz.

01 The Sea Temple 08:15
02 Spiritual Plains 07:34
03 Sacred Mountain 05:41
04 Inner Glow 04:53
05 Ocean of Tranquility 06:34
06 Garuda 06:14
07 Uluwatu 05:26
08 Heartspace 06:00
09 Island Retreat 05:15
10 To the Sea 05:29

Ketil Bjornstad - Odyssey

2011-10-25T19:10:00.000+02:00

Odyssey es una grabación en vivo en el Rainbow Studios de Oslo. Es un viaje geográfico, psicológico y musical con tintes melancólicos. El conjunto único de sonido es proporcionado por: Frode Alnaes (guitarra), Alfred Janson (acordeón), Arild Andersen (bajo), Pål Thowsen (batería) y el propio compositor Ketil Bjørnstad (piano).

1. Land
2. Riva
3. Odyssey
4. Vind
5. Holo
6. Sang
7. Laguna
8. Rav
9. Campo
10. Akt
11. 1814

Ken-Ming Yang - Four String Piano Praise For The Buddha Song

2011-10-22T18:29:00.000+02:00

El legendario creador de la música según la mitología china fue Ling Lun, quien hizo cañas de bambú de manera que sonaran como pájaros.
Era de las Dinastías (1122 a. C. - 1911 d. C.)

De acuerdo con Mencio, un poderoso legislador le preguntó una vez si era moral que prefiera la música popular frente a la clásica. La respuesta fue que lo único importante era que ame a sus súbditos. El órgano encargado de la música imperial, establecido durante la Dinastía Qin (221 a. C. - 207 a. C.), fue grandemente expandida bajo el Emperador Han Wu Di (140 a. C. - 87 a. C.), además se le encargó supervisar la música cortesana y la música militar y determinar qué música folclórica sería oficialmente reconocida. En las dinastías subsecuentes, el desarrollo de la música china fue fuertemente influida por la música foránea, en especial, la centroasiática

La música conocida más antigua es Youlan o la Orquídea Solitaria, atribuida a Confucio. El primer gran florecimiento adecuadamente documentado de la música china fue para el guqin durante la Dinastía Tang, sin embargo, el guqin ha sido tocado desde antes de la Dinastía Han.

En la antigua China, la posición de los músicos era mucho más baja que la de los pintores, a pesar de esto la música ha sido vista como central para la armonía y longevidad del Estado. Casi todos los emperadores tomaron seriamente la música folclórica, enviando oficiales para recolectar las canciones e inspeccionar la voluntad popular. Uno de los clásicos Confucionistas, Shi Jing, contenía varias canciones folclóricas que databan desde el 800 a. C. hacia alrededor del 300 a. C.

El primer europeo que llegó a China con un Instrumento musical fue el presbítero Jesuita Matteo Ricci, quien presentó un Clave a la corte imperial Ming en 1601, y enseñó a cuatro eunucos a tocarlo.
Wikipedia

cd1
1. Peace and Quite Monk of Lingshan
2. Holding the Lotus
3. Sing the Great Sorrow Incantation in Buddhist
4. The Ground Budda Hides the Heart Incantation
5. Cold Mountain Bell
6. Peace and Quite Mountain of Putuo
7. Inspiration Song of Goddess Mercy

cd2
1. On Ma Bani Mo
2. Purification Happy Song
3. Scenic Spot of Lingshan Mountain
4. The Wonderful Sound Spreads the Ten Directions
5. Supcrnatural Incantation of the Great Sorrow
6. Gentle Bodhisattva
7. The General Trend of Events is to Bodhisattva

Ensemble Gaguik Mouradian - Goussan - Armenian troubadours

2011-10-21T23:45:00.001+02:00

La historia recuerda a tres grandes regiones, que reflejan los matices de la civilización armenia y por lo tanto su música - Armenia occidental, con su capital intelectual, Bolis (Estambul), El Reino de Cilicia y Armenia Transcaucasia con Etchmiadzin, el centro de la cristiandad monofisita. Una gran riqueza tradicional armenio es el arte de los Achough-s, trovadores errantes y maestros del laud de cuello largo.

En la Edad Media Europa Occidental no era la única que en la corte tenian trobadores de tradiciones musicales. Los Trobadores de Armenia han demostrado ser más duraderos que sus contrapartes de Europa occidental. La música armenia es distintiva y hermosa. En Goussan: Armenian Troubadours el virtuoso y erudito Gaguik Mouradian lleva un conjunto de intérpretaciones de refinada instrumentacion de cuerda y viento tradicionales, con el canto excepcional de su vocalista Armen Badalian.

Gaguik and the Gossan Ensemble revisit the poetic and musical armenian heritage. Their music is inspired by Sayat Nova and other troubadours of the Caucase, settled since middle ages.

Gaguik Mouradian and his ensemble travel through the poetic and musical heritage of the Caucase, where the “medjlis”, poetic assemblies, still take place today and in which musicians improvise their singing answering to each other, in solo or with several persons.

Heirs of the troubadours, musicians and poets, attached to the different kingdoms of the Near –East or west Asia, the Goussans named later “ashik”, composed in Armenian, Persian, Turkish or Georgian.
These troubadours, first related to heathen religious ceremonies, to the resurrection of the Gods, as Mourané, the Mother of the Armenians and her son Guissiané from which the term “goussan” derives from, they explore today themes such as: philosophy, love in all it’s component, society and epic.
Their art is passed on from master to disciple by a long individual and oral teaching.

Oscillation between reality and imagination, this opus presents a mosaic of tonality, assembled from time to time to explore a key/mode, a rhythm, an author or a theme.

01 Hymne à L'amitié
02 Modeste Barde Et Grand Poète
03 Les 'Belles De Géorgie'
04 Ode à L'instrument
05 Sirounnér Mik Néghana
06 Saréri Gakav É
07 Paysage D'enfance
08 Poésie Amoureuse & Instrumentale
09 Chant D'amour à Double Lecture
10 Métaphores
11 Poésie Amoureuse
12 Tou Mi Arév És
13 Ode Aux Montanges
14 Hommage Au Troubadour

Ry Cooder - Into the Purple Valley

2011-10-16T19:15:00.000+02:00

El guitarrista Ry Cooder era un respetado músico de sesión antes de iniciar su carrera en solitario. Su estilo floreció plenamente en este, su segundo álbum, que es un compendio de brillantes temas folk de la América mas profunda, con acompañamiento ajustado, el artista a través de canciones en gran parte procedentes de las baladas de la época de la Depresión, entre ellas "Vigilante Man" de Woody Guthrie y el gran tema de Leadbelly "On A Monday."

Canciones tradicionales como "Billy the Kid", acurrucadas junto a piezas más contemporáneos como el tema de Johnny Cash, "Hey Porter" y es en el tema del guitarrista de Las Bahamas Joseph Spence "Great Dream From Heaven." Donde la Voz torpe de Cooder captura el quejumbroso estilo la atmósfera retro, pero ademas es su trabajo con la escalofriante guitarra slide (por no hablar de su facilidad con la mandolina, guitarra hawaiana clave holgura, y otros instrumentos de cuerda) por los que este disco es reconocido.

1. How Can You Keep Moving (Unless You Migrate Too)
2. Billy The Kid
3. Money Honey
4. F.D.R. In Trinidad
5. Teardrops Will Fall
6. Denomination Blues
7. On A Monday
8. Hey Porter
9. Great Dream From Heaven
10. Taxes On The Farmer Feeds Us All
11. Vigilante Man

Skuli Sverrisson - Seria

2011-10-15T20:02:00.000+02:00

Skúli Sverrisson (born October 23, 1966) is an Icelandic bass player and composer, residing in New York City. He has worked with numerous musicians and groups, including Hilmar Jensson, Jim Black, Chris Speed, Anthony Burr, Laurie Anderson, Allan Holdsworth, Ryuichi Sakamoto, David Sylvian, Blonde Redhead, Yungchen Lhamo, Jamshied Sharifi, Ólöf Arnalds and Pachora. In addition to performing on many artists' records, he has released two records of his own: "Ceremonie" in 1997 and "Sería" in 2006.
Seria" was chosen as "Best album of the Year" by the Icelandic Music Awards.
Fuente Wikipedia

Artist – Skúli Sverrisson
Album – Sería
Release Date – 2006
Genre – Contemporary-classic, Ambient, Experimental

Tracklist
01 Sería
02 Nineteen Centuries
03 Geislar hennar
04 Spontaneous
05 Sungið ég gæti
06 Binding Garden
07 Dora Kime
08 Summer Star Water
09 One Night of Swords
10 Her Searching Hands
11 Vaktir þú
12 Slow Sun
13 Morgum

Suara Parahiangan - Degung Sabilulungan - Sundanese Instrumentalia

2011-10-09T12:01:00.000+02:00

Suara Parahiangan. Este disco vale la pena. Es Gamelan, pero no en la clase intensa tribal, es tranquilo, de meditación, e hipnótico. Es como el tipo de música de fondo que infecta tu conciencia, sin darte cuenta. Es una musica sorprendente.
El álbum utiliza metalófonos, xilófonos, tambores y gongs para golpearnos con un sonido hipnótico silencioso mientras la flauta toca una melodía rítmica.

Ensemble – "Suara Parahiangan" Group

Leader – Ujang Suryana

1. Sabilulungan
2. Karedok Leunca
3. Colenak
4. Dikantun
5. Ayun Ambing
6. Ngantosan
7. Karatangan Pahlawan
8. Bandung
9. Pemuda Indonesia
10. Mojang Desa

Irén Lovász - László Hortobágyi - Világfa

2011-10-08T16:52:00.000+02:00

"Világfa (Árbol del Mundo) es una imagen mitológica que existe en la cultura húngara y en otras culturas. Las ramas, el tronco y las raíces de unir las diversas dimensiones de espacio y tiempo en el mundo real y en la realidad virtual. Y es esto lo que esta en la grabación ", Es lo que Világfa" (Árbol del Mundo) tiene como objetivo. esta colección se esfuerza por representar el colorido de muchas antiguas canciones populares de Hungría a través del uso de villancicos antiguos y paralelismos musicales de otras culturas relacionadas, a partir de las diferentes referencias a el ciervo mágico de la mitología antigua de Hungría, y haciendo un barrido de arco del este al oeste, con ejemplos de las diferentes canciones populares de Hungría para mostrar las similitudes y las cualidades únicas de las canciones populares húngaras de cada región. Paralelamente a esto, sin embargo, la posibilidad surge de una especie de síntesis musical que normalmente no se logra en el estilo de la vida tradicional, varios ejemplos de lo que se puede escuchar en la grabación Este es un viaje musical en el tiempo y el espacio virtual;. juega con la noción de cuáles son las posibilidades culturales que podría haber sido si antepasados húngaros se hubiesen dirigido hacia el este o hacia el sur desde su antigua patria de Siberia occidental en vez de ir hacia el oeste. la música en esta grabación también muestra cómo la riqueza y la universalidad de la música popular húngara original, se presta a la integración con los lenguajes musicales antiguos y contemporáneos de otras culturas , como es la práctica dentro de la música en el mundo de hoy y el mundo de la electrónica en el futuro. "- Irén Lovász

Anna Maria Jopek - Nienasycenie

2011-10-07T19:39:00.000+02:00

En sus producciones discográficas, Jopek experimenta con estilos diferentes,
pero el Jazz con su particular interpretación hace que se convierta en una
de las grandes intérpretes del género en Europa Oriental.

1. Jezeli Kochasz To Nie Pamietaj O Mnie (4:31)
2. Bo Wcale Nie Tra (Akwarela) (5:18)
3. Na Dioni (3:25)
4. Nienasycenie (4:31)
5. Male Dzieci Po To Sa (Temat Z Filmu Demony Wojny) (3:27)
6. I Pozostanie Tajemnica (3:14)
7. Licho (2:44)
8. Nie Wiem Skad To Wiem (4:10)
9. Manny Gram (3:28)
10. O Co Tyle Milczenia (Akwarela) (3:44)
11. Droga Na Poludnie (Temat Z Filmu Pociag) (3:36)
12. Cichy Wielbiciel (2:24)
13. Juka (1:45)
14. On Wszystko O NaS Wie (4:44)

Tony Scott - Music For Yoga Meditation

2011-10-05T17:05:00.000+02:00

Tony Scott introduced Western audiences to the minimalist pleasure of shakuhachi flute and Japanese kora on his 1964 album MUSIC FOR ZEN MEDITATION. Four years later, the jazz clarinetist came out with this deeply meditative duet with sitarist Collin Walcott. Each track explores a different theme of yogic philosophy. The playful "Hatha/Sun and Moon" pits the clarinet's lowest tones against the sitar's highest, suggesting the dynamics of yin and yang. "Samadi/Ultimate Bliss" is a slow, droning dirge that evokes the stillness of enlightenment. "Hare Krishna" is simply a Hare Krishna/om chant with simple sitar backing. This album will enliven any hatha yoga session, and sounds astonishingly fresh decades after its first release.

Tony Scott (clarinet);

Collin Walcott (sitar).

Kirsten Braten Berg - From Senegal to Setesdal

2011-10-04T17:14:00.001+02:00

De Senegal a Setesdal combina la calidez africana y el frio nórdico en una colaboración única.

La vocalista Noruega Kirsten Braten Berg y los solistas africanos Solo Cissokho y Sereba Kouame mezclan sus tradiciones en un sonido fresco y atemporal que va desde canciones populares para violín hasta melodías de canciones de cuna. Aunque predomina el sonido de Noruega, África sigue siendo la especia suficiente para que De Senegal a Setesdal sea un híbrido sin estudiar.

Kirsten Braten Berg tiene una de las más bellas, voces puras del planeta, y vaya que si suena bien enmarcado por la magnífica kora y la percusión africana proporcionada por sus colaboradores. Una experiencia encantadora, divertida de escuchar, hermosa que demuestra que la música es realmente el lenguaje universal

Kirsten Braten-Berg, Bjorgulv Straume (vocals, mouth harp);
Solo Cissokho (vocals, kora);
Kouame Sereba (vocals, mouth-bow, djembe).

Didier Malherbe - Zeff

2011-10-04T13:49:00.000+02:00

Didier Malherbe en el ambiente de la revolución freaky en París en mayo de 1968, conoció al cantante australiano, guitarrista y poeta, ex-miembro de Soft Machine, Daevid Allen con el que participó en la creación de GONG. Esta banda-comunidad internacional se incubaron en Deyá, Mallorca, y realizaron una gira por Francia y Europa antes de presentarse en la escena británica a partir de la primera edición del Festival de Glastonbury en junio de 1971.

Zeff, El título del álbum se deriva de Zephyr, y es también el nombre que dio a una flauta de plástico, bajo circular que tocó con VANGELIS en la banda sonora de la película de Ridley Scott, "1492 La conquista del paraíso", así como en el diario jingles para la televisión France 3. El álbum fue aclamado con un ffff en Telerama, uno de los mejores premios francéses.

Después de haber pasado muchos años absorbiendo influencias musicales y rítmicas de todo el mundo, Didier desarrolló un ávido interés en la recopilación de instrumentos exóticos, cada uno de los que le ofrece la oportunidad de explorar y abarcar nuevos estilos de sonido y se acerca a la composición.
Uno de los discos más experimentales de Didier que se basa en un nuevo instrumento de plástico circular el Zeff en la foto de la portada. Didier es un músico total y de talento natural el resultado es nada menos que magnífico. Una gran cantidad de amigos estan en el CD en la adición de las texturas melódicas y el ambiente musical que componen esta joya poco conocida de un álbum que se eleva más allá de cualquier categoría musical.

Zeff dance [4'10] (Didier Malherbe)

Zeff waves [8'09] (Didier Malherbe)

Drôle de Zeff [3'18] (Didier Malherbe)

Zeff over the dunes [6'22] (Didier Malherbe/Shyamal Maitra)

Zeff up [2'04] (Didier Malherbe)

Zeffing away [4'03] (Didier Malherbe)

Zeff in the box [5'54] (Didier Malherbe/John Livengood)

Am stram jam [4'18 (Didier Malherbe/Jean Philippe Rykiel)

South calls [4'05] (Didier Malherbe)

Impromenade [10'26] (Didier Malherbe)

Didier Malherbe {Circular Plastic Bass Flute, Alto Flute, Indian Bamboo Flutes, Ocarinas, Alto Clarinet, Soprano and Tenor Saxophones, WX7 Midi Sax, Percussion}
Shamal Maitra {Tablas, Ghatam, Djembé, Bowls, Zeff Gongs, Sanza, Water Bells and other percussion}
Gilles Cissoco {Djembé: 1}
Lansine Kouyate {Balafon: 1}
Soriba Kuyate {Kora: 8, 9}
Jean-Philippe Rykiel {Synth: 8}
Henri Agnel {Sarod: 10}
Loy Ehrlich {Piano: 8; Gembri Bass: 9}
John Livengood {Digital Processing: 7}

Michael Pluznick - Where the Rain is Born

2011-09-30T10:17:00.002+02:00

Michael Pluznick is a life long lover of music, ethnic culture and percussion.
He has been studying, performing and teaching drumming and percussion from the
African diaspora since 1976.
He has traveled around the world several times and lived and studied in West Africa, Brasil, Puerto Rico, India and Cuba.

Personnel:
Michael Pluznick (drums, percussion),
Pedro DeJesus, Lanette Lynette Kirkwood (vocals),
Robert Powell (guitar),
Barry Cleveland (guitar, eggs, rectangle),
Rich Michos (guitar, guitar synthesizer),
Bill Ortiz (trumpet, flugelhorn),
Peter Scaturro (programming, synthesizers, piano),
Maria Rodriguez (background vocals).
Engineers: Marc Senasac, Devon Bernardoni, Dave Plank,
Mark Slagle, Mark Needham.
Recorded at Different Fur, Alpha Omega, Hyde Street A&D
and Dave Wellhausen Studios, San Francisco, California.
All music written by Michael Pluznick and Peter Scaturro.

tracks
1. Solar Safari
2. Savannah Dance
3. Rites Of Passage
4. City's Reflection, The
5. Desert Crossing
6. Time Caravan
7. Big Foot
8. Where The Rain Is Born

Michael Pluznick - Craddle of the Sun

2011-09-28T15:57:00.000+02:00

Michael Pluznick is an acclaimed and accomplished percussionist, performer and music producer from New Jersey, who has traveled the world performing and recording as well as teaching various forms of percussion. He has studied on numerous trips with master drummers in Brazil, West Africa, Cuba and Puerto Rico. He has been drumming since 1972 and teaching for over 25 years. His teaching credits include stints at Sonoma State University (CA) (teacher and guest lecturer), Univ. of California (at Santa Cruz) and Yamaha (Japan). His album "Rythym Harvest" was in Billboard's "Top 20" albums for two months, while "Where The Rain is Born" won top honors in Electronic Musician Magazine. Michael now produces various forms of African music for special events, productions and performances.. He also accompanies Bay Area dance classes and performs locally and globally.

Cradle of the Sun, "Back to Havana" filmed and photographed by Michael Pluznick from the CD Cradle of the Sun on Narada records and I -tunes: "michael pluznick". Shot on Canon Legria hfs100 in Koh Samui Thailand

Jorge Reyes - Rituales Prehispanicos 1996

2011-09-24T19:38:00.000+02:00

Jorge Reyes se caracterizó por presentar música popular mexicana y por concebir durante todos estos años sus conciertos como ceremonias rituales prehispánicas, en las cuales sintetizó sus investigaciones musicales y viajes para formular lo que es la columna vertebral de su propuesta sonora: la mezcla de sonidos autóctonos y prehispánicos con la tecnología musical avanzada de los procesadores de sonido, armonizadores, ecos y sonidos guturales; ejemplificados en los tradicionales conciertos que Jorge Reyes ofrecía el Día de Muertos en el Espacio Escultórico de la UNAM, un acercamiento y una reivindicación a los principios sagrados de las culturas mesoamericanas, llenas de sensibilidad, originalidad e intensidad, donde el músico aparecía como jaguar.

1. - Ojo De Reptil
2. - Los Senores Del Tiempo
3. - Nahui Atl (Cuatro Agua)
4. - Las Vinas De La Serpiente
5. - Danza Del Chapareke
6. - Oracion A Los Espiritus Del Viento Nocturno
7. - Tlazolteotl
8. - El Agua Y Los Suenos
9. - Las Florecitas De Los Dioses (Oracion)

Himekami - Kaze-no-Johmon - 1996

2011-09-23T18:58:00.000+02:00

Himekami emana de una cultura ancestral, la cultura Johmon la raiz de la cultura Japonesa en los primeros años de la belleza etérea final, después de el desarrollo de la música aborigen de Japón, empezó a atender a las tribus, en el noreste de Japón y las costumbres del estilo original de los sonidos electrónicos la descripción detallada y rigurosa.
Su estilo de música con un toque étnico fuerte, distintivo, la combinación de la ciencia ficción, religiosas, las prácticas tribales, místicas y otros elementos de una interpretación convincente de la música, su música es una magia infinita.

El período Johmon se inició en Japón aproximadamente en el 14.500 a.C. y dura hasta el 300 a.C se identifica por el uso de gres liso y la introducción de la cerámica,la cultura Johmon mantuvo unos patrones similares en el ámbito de todas las islas, desde Hokkaido hasta Okinawa. Su base económica fue dada por las actividades cinegéticas, pesqueras y recolectoras.

01 Kaze no Daichi
02 Miagereba Hanabira
03 Sougen Densetsu
04 Kaze Matsuri
05 Hana Kanzashi
06 Matsurigami
07 Tasogarezuki
08 Yamawarabe
09 Ama no Ko
10 Moriwatari
11 Miagereba Hanabira (instrumental)

Dhafer Youssef - Abu Nawas Rhapsody

2011-09-21T17:08:00.000+02:00

Dhafer nació en 1967 en Teboulba Túnez, comenzó a cantar a la edad de cinco años acorde a la tradición islámica. Su música está enraizada en la tradición Sufí y otras corrientes de místicos sonidos, pero siempre con una clara apertura a otras culturas y al jazz. Con su profundo estilo vocal, un acercamiento al sonido del oud (laúd árabe) y complejas composiciones con colorido árabe "Abu Nawas Rhapsody" se convierte en otra obra que comprende desde los límites que rozan la disonancia hasta verdaderas melodías simples y conmovedoras. Lírico, expresivo, intenso y reflexivo.
En este CD Youssef se presenta junto al pianista armenio Tygran Hamasyan, el bajista Chris Jennings y el baterista Marc Giuliana.

Dhafer Youssef dice:

No es sólo la rapsodia de Abu Nawas, es también mi rapsodia. Tal vez sea la tuya también. Se trata de la mística, la sexualidad, la espiritualidad, y más que nada, el amor. La historia se repite a través de nuestra personalidad, y como un árabe a veces siento que pertenezco a la epoca de Abu Nawas, o tal vez el a la mía.
¿Cómo puede sorprendentemente real de la sensibilidad de los poetas que, como la de Abu Nawas y hacía Ibn Fared sus pensamientos, su acercamiento a la vida o su forma de enfocar la vida.
Lo que más me interesa es la idea de anhelo y deseo en mi propio universo, así como en la gente que me rodea.
Al final, lo que busco es el Tajallí: el sueño, el éxtasis, lo llaman la lujuria espiritual. La belleza es un concepto real, sensual y muy simple: lo que vemos, oímos, saboreamos y sentimos, guiada por el deseo e inspirado por el amor.
http://www.jazzlandrec.com/index.php?option=com_content&task=view&id=224&Itemid=49

Dhafer Youssef vocals and oud

Tigran Hamasyan piano

Chris Jennings bass

Mark Guiliana drums

Tracks
01- Sacre 'The Wine Ode Suite'
02- Les Ondes Orientales
03- Khamsa 'The Khamriyat of Abu Nuwas'
04- Interl'Oud
05- Odd Elegy
06- Ya Hobb 'In The Name Of Love'
07- Shaouk
08- Shatha
09- Mudamatan 'The Wine Ode Suite'
10- Hayastan Dance
11- Sura
12- Profane 'The Wine Ode Suite'

Sergio Mendes - Brasileiro

2011-09-20T14:20:00.000+02:00

Sergio Mendes ha sido durante mucho tiempo un maestro de la fusión de ritmos brasileños con la sensibilidad del pop estadounidense. BRASILEIRO es una grabacion casi puramente brasileña, bañada con el folk y la música urbana de Río de Janeiro, Bahía, Brasil, y que cuenta con las actuaciones y composiciones de algunos de los verdaderos héroes de la música brasileña contemporánea, sobre todo Hermeto Pascoal, Carlinhos Brown, Ivan Lins, y el diamante en bruto de Joao Bosco.

El corte de apertura, "Fanfarra (Cabua-Le-Le)," comienza con el sonido enorme y exuberante de 100-bateristas de una escuela de samba, grabado en un parking de Río de Janeiro.

Tema tras tema te lleva en un recorrido por el verdadero paisaje musical brasileño, siempre basado en batería y percusión. La mayoría de las letras son en portugués, pero la impresión general es tan familiar y animada como la luz del sol, es una amalgama preciosa de ritmo y melodías de arco, una delicia tropical.

Personal

Nathan East

Robbie Buchanan

Sergio Mendes - vocals, keyboards, synthesizers, percussion

Carlinhos Brown - vocals, percussion, background vocals

Eric Persing - keyboards, synthesizer programming

Steve Tavaglione - flute, oboe, alto & tenor saxophone

Joe Pizzulo - vocals

Gracinha Leporace

Joao Bosco - vocals, acoustic guitar

Kevyn Lettau

Eccodek - Shivaboom

2011-09-17T19:58:00.001+02:00

Eccodek es el productor canadiense Andrew McPherson, remixer y multi-instrumentista, Pero es más que eso, es el tapiz de sonido que se genera cuando un productor, trabaja con cantantes inspirados y talentosos multi-instrumentistas de todos los rincones del mundo al encontrar un amor común por el dub, funk, jazz y la electrónica. Eccodek es el sonido de la mezcla de culturas, la disolución de las fronteras. Es el sonido de la cámara de dub, el tambor de piel de cabra y la decadencia de sintetizadores vintage. Es el sonido de Malí, Turquía, Fiyi, Nigeria, India, Canadá y otros países.

Con el lanzamiento de Shivaboom en 2008, el tercer capítulo de este diálogo intercultural continúa. Eccodek sube la apuesta musical con panoramas exuberantes, Una coctelera auditiva DUBwise, surcos herméticos y melodías de otro mundo. Actuando como un sherpa de este tiempo en las pistas de baile, la alquimia de Shivaboom donde la electrónica y los sonidos globales se están moviendo en poderosas nuevas formas. Al igual que con todos los lanzamientos de Eccodek, Shivaboom se hace eco del antiguo pasado sin perder de vista conscientemente, y culturalmente el futuro.

Los musicos:
Andrew McPherson (guitar, E-bow, flute, harmonium,
keyboards, bass instrument, percussion, sampler);
Mansa Sissoko (vocals, kora);
Jah Youssouf (vocals, ngoni, percussion);
Meral Mert, Onkar Singh, Kiran Ahluwalia (vocals);
Jim Knight (bass);
Steve Clark (drums);
Jason Shute (congas).

1.) Behind the mask -4:35
2.) Weightless place -6:34
3.) Empty pockets -6:40
4.) Silent song -6:19
5.) Red, White and Maple -4:56
6.) Black beauty (eccodek Remix) -5:12
7.) When the bird calls -5:30
8.) Lover's trance -4:29
9.) Forever unanswered -5:59

Claude Chalhoub - Claude Chalhoub

2011-09-15T18:56:00.000+02:00

Claude Chalhoub Nacido en Beirut en 1974, comenzó a estudiar el violín a la edad de ocho años y en un principio tocaba música árabe. Fue galardonado con una beca para estudiar en el prestigioso Queen Elizabeth Royal College of Music de Londres, fué elegido para ser concertino de Daniel Barenboim, Chalhoub esta igualmente versado en la música árabe popular que realiza con frecuencia.
Chalhoub se dedica a fomentar la paz en el Medio Oriente, y como concertino de la Orquesta Divan de 73 miembros de West-Eastern, un grupo reunido por el judío Daniel Barenboim, que consiste en jóvenes de Líbano, Jordania y Egipto.

Producido por, y con algunas actuaciones del guitarrista experimental Michael Brook, el auto-titulado Claude Chalhoub entra en la lista de álbumes musicales exóticos territorio mediante la combinación de música clásica occidental árabe e india, de vez en cuando salpica la mezcla con influencias modernas como el rock y el ambient. El compositor libanés violinista Chalhoub también maneja otros instrumentos (piano, armonio, y viola), y su enfoque es encontrar elementos paralelos en los diversos estilos que abarca. Él no tiene miedo de unir las cadenas occidental y oriental de percusión, o instrumentos eléctricos con los orgánicos. A lo largo del álbum, las líneas de género se hacen borrosas. Las cadenas de barrido árabe en "Red Desert" se acompañan rítmicamente por la tabla India y tambores; flauta, guitarras, bajo, teclados y también figuran en la composición. "No Wake Me Up" atraviesa orquestaciones con cadenas árabe y clásica, y se integra la guitarra española y la tabla animando a tocar en los lugares correctos. "Two Angels", destaca el octeto del álbum omnipresente mediante la exploración de un modo oriental, mientras que el acompañamiento del piano se adentra en una melodia occidental. A continuación, "Kaa" y la épica "Melancholia" encontramos a Chalhoub y Brook en un estado de ánimo fascinante. "Baddour" cuenta como invitado el cantante paquistaní Farroukh Fateh Ali Khan, hermano de Nusrat.

1. Red Desert
2. Gnossienne
3. Baddour
4. Oriental Images
5. Don't Wake Me Up
6. Kaa
7. Two Angels
8. Melancholia
9. Don't Wake Me up (Spring Mix)

Haris Alexiou - Ei

2011-09-13T13:30:00.000+02:00

Haris Alexiou es, posiblemente, una de las voces más bellas del Mediterráneo. Todo en ella es pasión y verdad. Su música puede llegar a lo más hondo de nosotros mismos, porque sus canciones hablan de todas esas cosas que todos conocemos tan bien: la soledad que hay en el interior del ser humano, las ausencias, todas las ausencias, lo que pudo haber sido y no fue, lo que es, el amor, el desamor, la pasión, la falta de cariño, los silencios que hablan, la falta de comunicación, la libertad, el aislamiento, el compromiso con las causas justas, la incomprensión de lo que nos rodea, la belleza contemplada, la perdida, la soñada o la anhelada, los amores apasionados, los no correspondidos, los sublimes, los no entendidos… todo eso podemos encontrar en sus canciones, porque escuchar a Haris es escuchar la vida, la verdad y la belleza de todas las vidas.
http://clandestinodeactores.com/laplacenta/?p=2278

Musica escrita por Nikos Antypas.

Letras escritas por Lefteris Papadopoulos.

01. Hey! I got crazy (Ei trelathika)
02. I lost you (S' ehasa)
03. Your the night with the riddles (Ise i nichta me ta enigmata)
04. The most black moon (To pio mavro fegari)
05. Joy (Hara)
06. Ii goes and comes back again (Pai... xanagirnai)
07. The mother (I mana)
08. The lie (To psema)
09. Everything would have changed (Ola tha 'hane alaksei)
10. The ballad of the convict (I mpalanta tou katadikou)
11. I surrender (Paradinome)
12. Forgotten streets (Dromi lismonimeni)

Raewat Lamlertsuk - Siam Classical

2011-09-09T17:41:00.001+02:00

La música tailandesa es un eco de la forma de vida tailandesa
La belleza de Tailandia es indescriptible
La ciencia y el arte de Tailandia reflejan las
múltiples facetas de la cultura Thai.
La intrincada belleza de sus instrumentos, que
muestran el talento artístico de los tailandeses, o las
melodías que son un espejo de sus principios,
creencias, estilo de vida y sentimientos, la música es un
parte inseparable de la psique de los Tailandeses.

01. The millon stars night
02. The warm of love
03. The journey of the time
04. Silent night
05. The selection by heart
06. Siamese's smile
07. Nothing for all
08. Shining after the rain
09. The bat
10. In my mind
11. End of the horizon

George Stavrianos - Secrets

2011-09-08T16:24:00.002+02:00

George Stavrianos nunca dejó de llevar los recuerdos de una época en que la tierra era justa aún, y sonaba como un cielo estrellado.
En la ciudad de Nancy, Francia, completó sus estudios universitarios en la Facultad de Letras y Ciencias Humanas. Dos grados literarias griegas y una francesa, una maestría y un doctorado en filosofía selló el primer período.
Presentó inesperadamente sus primeras grabaciones en el verano de 1982 con la "ciudad del desierto" con la orquestacion única de Dimitris Lekkas, y con el apoyo de una gran cantante, Maria Dimitriadis. En el mismo disco también participó Mikroutsikos Andreas y Thomaidis Kostas en la canción "Tú eras la luna", con las letras poéticas de Lefteris Papadopoulos.
Un período de búsqueda importante y fructífero, mientras que fue testigo de una Grecia que se estaba transformando. Katia Dandoulaki al leer sus escritos dice que trató de describir la luz y la especificidad nostalgica de Grecia que intentó presentar una identificación en un momento de redefinición cultural global en la confusión.
Además Lefteris Papadopoulos le dio su bautizo en la industria de la música, y otros autores como Juan Ulises Grapsas Felipe, Papadopoulos Christos, Kontova Mirto, Nikolakopoulou Lina, han vestido con sus letras muchas de sus canciones.

Ha colaborado con destacadas figuras del mundo de la música y el espectáculo como Eleni Vitali, Glykeria, Nena Venetsanou Anastasia Moutsatsou, Vetta Kalliopi, Sideri Isidora, Mitsias Manolis, George Dalaras, Katsimiha Panos, sal Pantelis, Andreatos Gerasimos, Poderes del Egeo (Nikos Grapsas, Chris Tsiamoulis), Vassilis Lekkas, Alexander Smith, entre otros.
En la obra orquestal «Secretos» entra en el mercado internacional. El tema «amor
secreto» se lanzó en una docena de colecciones internacionales, y fué la primera pista de Buddha Bar III es un enorme éxito internacional. Hay actualmente mucha audiencia con los temas musicales en YouTube, con más de dos millones de visitas, mientras que otra canción es "Helen", cantada por el famoso cantante turco Mahsun Kirmisigül.

01. Summer Paths
02. Mireille
03. The Sky's Confession
04. Destiny
05. The Kiss Of The Moon
06. Le Reve Vole De La Place Vendome
07. Silent Forest
08. La Dance Des Dauphins
09. The Road To Siena
10. The Memory Persists
11. Wild Horses
12. A L'Ombre Du Vieux Chateau
13. Pluie Nocturne
14. Secret Love

Bana - Gira Sol

2011-09-04T18:03:00.001+02:00

Andriano Conçalves - alias Bana - vino al mundo en la ciudad portuaria de Mindelo. Con más de 30 álbumes a sus espaldas, este maestro de Morna y coladeira tiene una carrera en la industria discográfica que abarca cinco décadas y ha sido apropiadamente llamado el Rey de las Islas de Cabo Verde.
Cuando era un joven muchacho, Bana vivia rodeado por la música de cantantes locales. A los 14 años, se quedaba hasta tarde con músicos locales en la ciudad con serenatas de canciones melodiosas. Su madre no estaba feliz con los hábitos de su joven hijo .
Ella vio en su comportamiento de la tarde-noche como salvajes aventuras adolescentes , digno de castigo. Pronto cambió su opinión cuando la reputación de el joven cantante comenzó a difundirse alrededor de la isla. Cuando la gente empezó a correr a la madre de Bana para solicitar su comparecencia en las fiestas y ceremonias, ya no podía negar su talento.

En 1986, después de más de 40 años de canto, Bana decidió retirarse después de una
última gira de Cabo Verde y su enorme diáspora. Luego, después de una pausa de diez años de la empresa, Bana tuvo unas vacaciones de jubilación para grabar el álbum Gira Sol, que fue arreglado y producido por Ramiro Mendes MB Records. Cabe esperar que habrá más por venir. Cabo Verde ha cambiado mucho desde sus 14-años de edad cuando se quedaba hasta tarde en la serenata de las calles de São Vicente.
Nacido en Cabo Verde en el marco del pabellón de Portugal, Bana se ha convertido en un símbolo internacional de una nación independiente. Ha recibido honores y la Medalla del Mérito del Gran premio del presidente de Cabo Verde, así como el presidente de Portugal.
http://www.afropop.org

1. Fitchi Fatchi Na Tracolanca
2. Compadre Francisco
3. Rosa de Amor
4. Gira Sol
5. Africa Um Dia
6. No Marimba
7. Inga
8. Santa Ritinha
9. Cabinda a Cunene
10. Gira Mundo

Ismael Lo - Natt

2011-09-04T14:11:00.000+02:00

Ismaël Lô es un músico senegalés. Nació en Dogondoutchi en Níger el 30 de agosto de 1956 de un padre senegalés y una madre nigeriana. Poco tiempo después del nacimiento de Lô su familia vovió a Senegal donde se establecieron en la ciudad de Rufisque, cercana a la capital Dakar. Es un cantante y artista muy versátil que, a parte de sus habilidades como cantante, también toca la guitarra y la armónica.

En 1979, el cantante / compositor Omar Pene Lo invitó a tocar en su popular grupo Super Diamono de Dakar, una banda que tocaba mbalax-blues, una mezcla de ritmos cubanos y Senegaleses. Con su talento para tocar la guitarra y componer canciones, se estableció rápidamente como una figura clave en la banda y pronto se convirtió en el cantante principal en segundo lugar, corista y guitarrista. Por los años 80 se encontró que queria lanzar su carrera en solitario, pero se sentía como si dejará un gran agujero en la banda que podría destruirla. En 1984, la presión fue demasiado y se fue a España a hacer algo de pintura. Él comenzó a grabar como solista después de su regreso. Sus primeros discos incluyen Xalat, Xiff, Natt, y Sayina Gor, y un álbum homónimo lanzado en Mango en 1992.

Chaibhuk Bhutrachinda - Siamese Fantasia Vol. 1-4

2011-09-01T16:39:00.001+02:00

Los cuatro discos de Siamese Fantasia, son la fusion de la musica tradicional con las nuevas musicas tailandésas. utilizando instrumentos del Este y del Oeste. Para hacer que la música contemporánea sea escuchada con mayor facilidad por los occidentales. Chaibhuk Bhutrachinda ha jugado un papel muy importante en la música tradicional tailandesa y en la música tailandesa en general.

Siamese Fantasia Vol.1

1 Lao ded duang dok mai 4.12

2 Sroy son tad 3.59

3 Lao charoensri 4.54

4 Panfai 5.27

5 Ma-yura-phirom 6.03

6 Keaw kao 4.14

7 Kra-tai-ten 6.28

8 Burung kakratua 4.48

9 Khab mai ban dor 5.40

10 Pran (homage to John Cage) 5.48

Siamese Fantasia Vol.2

1.Khaek Khao 3.42

2.Lao Suay Ruay 5.07

3.Khom Song Krueng 4.47

4.Mae Ngou 3.58

5.Ar hear 4.27

6.Buntherng Gasorn 4.31

7.Si Nuan 15.44

8.Ching Prachan Chao 13.02

Siamese Fantasia Vol.3

1.Cha Hoy 4.17

2.Lao Leab Kai 4.10

3.Chom Duan 5.18

4.Lao Pan Noi 4.27

5.Mon Doo Dao 5.24

6.Khaek Nang 4.15

7.Sada Yong 5.23

8.Sele Mao 4.07

9.Thayoy Yuan 4.43

10.Dao Taleng 5.55

Siamese Fantasia Vol.4

1.Sukhothai 4.51

2.Jorrakae Hang Yao 4.06

3.Soy Lampang 5.17

4.Rabam Ching 6.30

5.Ton Borrated 6.22

6.CHet Kag 6.25

7.Khamen Oum Tuk 5.27

8.Talung Bun Yong 5.26

9.Chaway Dakong 8.14

David Parsons - Dorje Ling

2011-08-31T18:17:00.000+02:00

David Parsons ha realizado numerosos viajes a la India para absorber la cultura, el estudio de la música y las actuaciones de artistas indígenas. Además de producir tres álbumes de música ritual tibetana, en las ceremonias sagradas: la serie Ritual Music of Tibetan Buddhism, el compositor y sintesista ha traducido la esencia de sus viajes en sonidos exuberantes y profundos en sus albums Himalaya y Yatra, dos álbumes aclamados por la crítica.

Dorje Ling, se inspiró en su posterior regreso a Dharamsala, India, sede del budismo tibetano en el exilio. Durante varios meses, Parsons vivió en el monasterio de Dip Tse Chok Ling y se sumergió en el antiguo arte de la música ritual tibetana. "Durante nuestra estancia, mi esposa, Kay, y yo me sentaba en el monasterio durante ocho horas a la vez a través de ceremonias", Parsons recuerda. "Aunque no soy budista, y no hablo el idioma del Tíbet, me encontré obligado a sentarme allí durante días y días tratando de absorber los matices de la misma. De esta manera, la música se metió en mi subconsciente, y este álbum es el resultado de eso ".

Dorje Ling, de Parsons es una mezcla de muestras de música tradicional tibetana en una cuidada evolución de composiciones electrónicas. Muchas de estas grabaciones fueron tomadas del material fue lanzado en Sacred Ceremonies 2, sin embargo, la fusión resultante de la sensibilidad antigua y moderna no pretende ser una representación de las prácticas budistas tibetanas. Por el contrario, Dorje Ling, es una exploración poética de la visión que esta rica cultura ha inspirado en Parsons, que culminó con una peregrinación Sonica a través del esplendor de los Himalayas y alrededores.
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Niekku 3

2011-08-30T20:12:00.001+02:00

The five women who comprised Niekku were all former students of the country's only music "high school" and are now performers and teachers. They sing warm, gentle harmonies, play accordions, kantele (the lap harp), mandolins, bass and fiddle.

The music they make on Niekku 3 (Olarin Music, Finland) is deceptive, in that the tones of all the instruments and voices are usually light and sweet, but at times the groupings of the harps and voices gets down-right furious, and once or twice it even gets a little skewed and bizarre.

One tune weaves its way through music box-like melodies on the kantele, with the accordions eventually overwhelming them in discordant madness, and then drifts slowly back to the ground.

It is this splendid use of old instruments and new ideas that typifies Niekku's approach to their music.
http://www.rootsworld.com/freereed/maria.html

Maria Kalaniemi (accordion, voice),

Anna-Kaisa Liedes (kanteles, voice),

Liisa Matveinen (kanteles, voice),

Anu Itäpelto (kanteles, voice),

Leena Joutsenlahti (winds, voice)

Tony Allen - Secret Agent

2011-08-30T16:56:00.000+02:00

El nigeriano Tony Allen, padre del afrobeat junto al gran Fela Kuti, actuó con su banda el 26 de marzo pasado aqui en mi pequeña ciudad dentro del festival Blues & Ritmes.
Nos tenian acostumbrados para este tipo de conciertos en el Teatro Zorrilla pequeño y muy acogedor con asientos confortables, pero esta vez fue en el Principal, hacia años que no pisaba ese lugar, la sorpresa fue que al entrar al mismo no estaban las butacas, les juro que no hicieron falta a lo largo de un par de horas Tony y su banda desarrollaron una mutacion rítmica feroz a medio camino entre el jazz, el funk y la música africana la gente no paraba de bailar, Presentaba su último disco, Secret Agent, editado en el sello World Circuit y grabado con músicos de Nigeria, Camerún, Martinica y Francia, Tony Allen ha llevado el afrobeat de regreso a sus orígenes, añadiéndole además una espectacular factura contemporánea y llena de groove.

Quizá el mejor batería de siempre. Lo afirmó hace unos años Brian Eno, a propósito del hombre que sincopa sus respuestas al otro lado del teléfono. A pesar de haberse desayunado con una molestia en la vista, Tony Allen (Lagos, 1940), voz cavernosa, se muestra participativo: "Fela Kuti me decía que yo sonaba como cuatro bateristas", rememora desde París, donde vive. Y es cierto, Allen posee una asombrosa habilidad para que cada mano y cada pie fluyan autónomos, pero en comandita. "El truco está en mi mente, capaz de coordinar las cuatro extremidades en pos de un ritmo común". También cuatro músicas (highlife, jazz, funk, yoruba) hacen caldo en el afrobeat, el imparable estilo nigeriano que fundó junto a Kuti a finales de los sesenta: tres lustros de asociación, con éste como líder de la banda (Koola Lobitos, luego África 70) y con Allen, oficioso director musical, a las baquetas.
http://www.elpais.com/articulo/portada/bateria/suena/elpepuculbab/20110319elpbabpor_48/Tes

Joe Hisaishi Works II

2011-08-29T16:59:00.000+02:00

Las melodías delicadas y elegantes, muy hermosas, la música lírica ha sido acompañada en este album de ricas armonías, reinterpretadas al piano por Joe Hisaishi y acompañado por la Tokyo City Philarmonic Orchestra.
Este CD es una colección de versiónes orquestales que Joe Hisaishi compuso para varias peliculas, incluye varios temas de la película de animación La princesa Mononoke.

01. The Legend of Ashitaka
02. Princess Mononoke
03. TA·TA·RI·GAMI
04. Ashitaka and San
05. Nostalgia
06. Cinema Nostalgia
07. la pioggia
08. HANA BI
09. Sonatine
10. Tango X.T.C.
11. Madness
12. Friends
13. Asian Dream Song

VAS - Azam Ali - Greg Ellis - Offerings

2011-08-28T19:04:00.001+02:00

GREG ELLIS Y AZAM ALI CONFORMAN EL DUO VAS
El percusionista Greg Ellis y la vocalista Azam Ali comenzaron juntos a trabajar en 1995 para el proyecto musical que bautizaron VAS. El ensamble se define como un duo alternativo dentro de la World Music. La agrupacion VAS esta compuesta por dos musicos de trayectoria y eventualmente convocan a algunos colegas para reforzar su propuesta. El percusionista norteamericano Greg Ellis y la vocalista persa Azam Ali
consideran que su musica traspasa las barreras etnicas, culturales y geograficas. La palabra VAS es la palabra del latin para designar la vasija.El proyecto se conformo casi de forma inmediata luego de que sus dos integrantes base coincidieran en el concierto Masters Musicians en la universidad de UCLA en 1995. Al siguiente dia ya estaban ensayando y proyectando sus propias creaciones; fue un reconocimiento instantaneo, un intercambio de visiones particulares sobre la musica lo cual les hizo en breve tiempo organizar un repertorio propio y firmar con el sello de nombre NARADA.

Desde 1997 a 2004 Vas ha sacado al mercado cuatro discos en la discografica Narada. Su musica, que describen como "un mundo alternativo", se centra principalmente en la antigua relacion entre la percusion y la voz. Sus sonidos cinematicos distintivos poseen influencias de India, de Persia, de Occidente y de otros estilos
musicales que se unen en un juego etnico que sin duda trasciende la catagorizacion y las etiquetas culturales. Aunque en sus primeros pasos Vas fue comparado con Dead Can Dance, dejaron atras poco a poco esas comparaciones con cada album que editaban, ganando el primer puesto en la jerarquia musical de los grupos cuya innovacion sientan un nivel que otros aspiran conseguir

Offerings es su segundo CD y en muchos aspectos es mejor que el primero. Ellos no usan la secuenciacion MIDI en la creacion de estos sonidos con sabor oriental . Ellis en la percusion lleva el sonido, mientras que Azam Ali crea atmosferas con su gran voz. La musica fluye directamente y en profundidad en torno a los oyentes. Ellis ha organizado y mezclado los sonidos perfectamente no hay lagunas todo
encaja perfectamente. Los artistas presentaron este trabajo en 1995 con una muy bella caratula en la cual aparece una de las deidades mas importantes de Oriente: la graciosa figura de Shiva, saltando y bailando alegre, como es su particularidad.

* Azam Ali - Vocals, Voices, Psaltery, Tanpura, Dulcimer (Hammer), Frame Drum
* Greg Ellis - Dumbek, Gong, Tabla, Vocals, Voices, Bells, Shaker,
Tombak, Zills, Temple Bells, Nagara, Riqq, Udu, Frame Drum
with
* Nabil Azzam - Violin, Arabian Violin
* Hans Christian - Cello, Sarangui, Nyckelharpa
* Steve Stevens - Acoustic Guitar
* Omar Faruk Tekbilek - Vocals, Voices, Ney, Zurna

offerings Tracks
1. Svarga
2. Roya
3. Varuna
4. Promise, The
5. Ellora
6. Temple of the Maiden
7. Leyli
8. Veiled
9. Wajad
10. Garland of Breath, A
11. Mist Weaving

Lai Muang - The Spirit Of Lanna

2011-08-05T15:27:00.001+02:00

La música tradicional del norte de Tailandia ha sido fuertemente influenciada por la civilización Lanna, que dominaban la zona desde el siglo 11 hasta el siglo 18. Hoy en día, los grupos tradicionales del norte llamados "Salaw Saw Serng 'utilizan basicamente cuatro instrumentos el Phin Pia, el Salaw, el Pisaw y el Serng para acompañar las canciones folclóricas locales.

El Salaw es un instrumento de cuerda frotada, similar a los que se tocaban en el centro de Tailandia. Esta más bien toscamente construido y no tiene el refinamiento de otros instrumentos de cuerda. El Saw o Pisaw es un instrumento de viento tocadó con la boca. El Serng es un instrumento de cuatro cuerdas, prácticamente idéntica a la guitarra o el banjo.
Otro instrumento de cuerda único de la región es el Phin pia que crea un sonido maravillosamente suave. El Phin pia, es un antiguo instrumento de la cultura Lanna, se suele tocar en solitario ya que su melodía no puede competir con otros instrumentos en el volumen. El Phin pia es muy difícil de tocar y los que pueden dominar el instrumento se tenían en gran estima.

The Buddha Image With Thai Lanna Words

La música tailandésa es a menudo considerada como de difícil acceso para los inexpertos, y sobre todo para los oídos occidentales.
Las técnicas de grabación y las mezcla que se aplican en este álbum se concentran en hacer música tailandesa de facil escucha para los oidos occidentales, una magnifica experiencia musical donde el enfoque junto con la elegida variedad de estilos clásico y tradicional del norte de tailandia hacen que más personas puedan disfrutar de la belleza de este arte.

Performed by the Lai Muang Ensemble

Somboon Kawichai (Kru Boy): Peejum, Salaw, Pin Pia
Wiboon Fangngueng: Sueng, Percussion, Vocals
Samai Sathatha: Salaw, Peejum, Percussion
Thewin Thatum: Percussion
Prakorn Siriprasert: Peejum, Klui, Salaw
Nattawut Butta: Sueng, Percussion
Niwat Saenpichai: Percussion

Recorded at Studio THomasso, Chiangmai, Thailand

01. Chiang Saen Luang
02. Long Mae Ping
03. Khang Khao Kin Kluay / Khamen Lai Kwai
04. Por Khru
05. Pee Mot
06. Mon Lampang
07. Tang Chiangmai
08. Lao Duang Duen
09. Kulap Chiangmai
10. Low Peejum Solo
11. Khamu Kin Nam Maprao
12. Subpin
13. Muan Chai
14. Soi Wiang Phing
15. Tai
16. Thawin Ha

Keiko Matsui - Hidamari No Ki

2011-08-04T15:55:00.000+02:00

Osamu Tezuka (1928 - 1989), creador del mítico Astroboy y considerado como el "padre del manga" es el autor de Hidamari no ki, manga que publicó entre 1981 y 1986 en la revista para adultos Big Comic. En ésta obra, Tezuka nos sitúa en un periodo crucial para japón a través de un personaje real y otro ficticio: Manjirô Ibuya, un samurái y Ryôan Tezuka, médico (que es ni mas ni menos que el bisabuelo del autor).

On June 21, 2000, Vap released a soundtrack CD for the Hidamari no Ki anime. The songs are performed by Keiko Matsui and are composed by Kazu Matsui.

01. Hidamari No Ki - Morning
02. Sea
03. The Tree Of Life
04. Walking
05. Sea [Piano Version]
06. Walking [Pano Version]
07. Tree Of Life [Piano Version]
08. Hidamari No Ki [Piano Version]
09. Cloudy
10. Thinking
11. A Couple
12. Nervous
13. In The Forest
14. Sunshine
15. The Wind Of Time
16. Key
17. The Shadow Of The Moon
18. Hidamari No Ki - Manazashi

Wei Li Yang - Tai Chi

2011-08-02T21:04:00.000+02:00

El tai-chi es el desarrollo de la relajación, la concentración mental,
la coordinación y la respiración consciente y profunda.

1. Meditation (First Level) 4:39
2. Inner Strength (Jing) 8:36
3. Wisdom 5:08
4. Meditation (Second Level) 4:48
5. Nature of Things 5:36
6. Hua Tuo's Way 5:37
7. Free Hands 5:17
8. Reaching Shoong 6:13
9. Circulation 5:50
10. Meditation (Final Level) 5:56
11. Perfect Circle 4:47

Ketil Bjornstad - Grace

2011-08-02T14:23:00.000+02:00

Grace is the latest example of pianist Ketil Bjornstad's special ability to mix worlds of improvisation and composition, literature and jazz. Featuring several purely instrumental numbers, Grace is a suite of pieces conceived in tribute to the English metaphysical poet John Donne (1572-1631), to whom Bjornstad has already devoted one record, the 1990 The Shadow (on the Norwegian Kirkelig Kulturverksted label). Whereas that record found Bjornstad--who has also set the words of painter Edvard Munch and poet Edith Sodergran to music--putting the operatic vocal skills of Randi Stene and classically-turned viola playing of Lars Anders Tomter next to the jazz sensibilities of guitarist Frode Alnaes, bassist Arild Andersen and drummer Jon Christensen, Grace is a more thoroughly jazz-inflected session. Vocalist Annelli Drecker has a background in electro-ambient music. Here, she shares flowingly phrased vocals with saxophonist Bendik Hofseth, who like Drecker brings a warm and relaxed quality to the various interpretations of Donne's words, as sensuous as they are spiritual in nature. Much of the music exhibits the poised adagio quality that features in Bjornstad's work on ECM with cellist David Darling and the Sea Quartet. However, guitarist Eivind Aarset, Arild Andersen and percussionist Trilok Gurtu join Hofseth in ensuring there are some strong moments of driving group improvisation and freshly conceived sound-textures here, as on the seven-minute title track and "Mystery". --Michael Tucker

Ketil Bjornstad (Piano)
Anneli Drecker (Vocals)
Arild Andersen (Bass)
Bendik Hofseth (Saxophone, Vocals)
Eivind Aarset (Guitar)
Trilok Gurtu (Percussion)

Titles:
01. No Man Is An Iland / 3:53
02. Lovers' Infiniteness / 6:44
03. The Bait / 2:41
04. White / 1:33
05. The Anniversary / 5:24
06. Love's Growth / 5:57
07. Song / 5:14
08. Love's Usury / 6:13
09. Naked / 2:51
10. Grace / 6:55
11. The Indifferent / 4:06
12. Mystery / 3:25
13. The Canonization / 5:50
14. Take A Flat Map... / 4:32
15. Finale: No Man Is An Island... / 3:40

Li Yang & Li Hui - Spa Vol.7 (Gu Zang)

2011-07-28T17:10:00.000+02:00

Maravilloso album grabado por dos de los mejores interpretes
de la musica tradicional china, Li Yang tocando el Gu Zheng
y Li Hui tocando el Erhu, grabado para el sello Tailandes Ocean Media
dentro de su serie de relajacion Spa.

01. Lao Sieng Tean
02. From the hill to the sea
03. Flowers for you
04. Ton Vorchet
05. Shining
06. Peace
07. In my sight for my my feet
08. Lao Duang Duen
09. Khong river dance
10. Lao Pan

Marcio Faraco - Interior

2011-07-27T18:13:00.001+02:00

"Interior" es una continuacion natural de "Ciranda", pero nos muestra a un compositor más maduro. El claro y suave timbre de su voz acoge las melodías de manera tan simple que crean adicción: desde "baioes" ("O Céu e o Mar", "Pao com Pao") hasta sambas y bossas con matices jazzies ("O Destino Espera", "Saudade Cuando Dá"); desde "xotes" ("Sarapatel Humano", "Sumidouro") hasta estremecedoras baladas ("O Sobrevivente"); desde canciones desesperadamente tiernas ("Efêmera", "O Outro Lado"); hasta lánguidos cortes impregnados de misticismo ("Nosso Amor de Tanto Tempo", "Um Dia eu Vou").

Los arreglos de "Interior", más introspectivos que de los de su predecesor, favorecen los sonidos acústicos y luminosos mullidas percusiones, acordeón, flauta, piano, saxo soprano, un cuarteto de cuerda, bajo, cavaquinhos. Aquí Faraco se ha rodeado de un grupo de músicos elegidos con especial cuidado: los pianistas Kenny Barron y Wagner Tiso, el arreglista Gil Goldstein, los guitarristas Patrice Larose e Índio Brasil, el acordeonista Daniel Mille, los bajistas Jorge Helder y Josué Domingues y los percusionistas Mino Cinelu y Julio Gonçalves. De cualquier modo, solo o en trío, con sexteto u orquesta de cámara, Márcio Faraco desarrolla en este disco su catálogo completo de sapiencia musical, toda la profunda y sutil paleta de su arco iris subtropical, toda la rica elegancia de su inventiva, su refinada y prolífica sensibilidad. Una auténtica genialidad.
http://www.marciofaraco.com/

Podcast de Siglo 21 del dia 19/07/2011

2011-07-23T19:24:00.002+02:00

Presentador: Tomas Fernando Flores
Programa dedicado a Talvin Singh, y como siempre buena musica electronica.
Tomas nos regala un atrevido programa, comprometido con los nuevos movimientos de accion ciudadana.
Siglo 21

Sergio Mendes - The Swinger from Rio (1964)

2011-07-23T00:03:00.000+02:00

Album grabado en diciembre de 1964, The Swinger from Rio representa la unica grabacion existente de Sergio Mendes y Antonio Carlos Jobim actuando juntos.

No se veía venir, ya que empezó como pianista clásico. Pero Sergio Mendes estaba allí cuando rompió la bossa nova y se dedicó a ella con entusiasmo. Grabó con Antonio Carlos Jobim y tuvo que emigrar cuando el régimen militar interceptó un telegrama que le habían enviado desde los USA. Así comenzó su carrera popularizando la bossa nova por el mundo entero, junto con canciones clásicas de la música brasileña y temas pop.

Sérgio Mendes - piano
Antonio Carlos Jobim - violao
Tiao Neto - bass
Chico de Souza - drums
Art Farmer - fluegehorn
Phil Woods - alto saxophone
Hubert Laws - flute

Maria Moita (Carlos Lyra / Vinicius de Moraes)
Sambinha Bossa Nova (Tom Jobim)
Batida Diferente (Durval Ferreira / Maurício Einhorn)
Só Danço Samba (Tom Jobim / Vinicius de Moraes)
Pau Brazil (Sérgio Mendes)
Garota de Ipanema (Tom Jobim / Vinicius de Moraes)
Useless Panorama (Tom Jobim)
The Dreamer (Tom Jobim / Vrs. Gene Lees)
Primavera (Carlos Lyra)
Consolação (Baden Powell)
Favela (Tom Jobim)

Anúna - Invocation

2011-07-22T16:16:00.001+02:00

En 1987 el compositor Michael McGlynn de Dublín fundó Anúna. El nombre deriva del término colectivo para los tres tipos antiguos de la música celta, Suantraí (canción de cuna), Geantraí (canción alegre) y Goltraí (lamento). Uno de los objetivos declarados del coro es el de explorar y redefinir la música. Anúna con sede en Dublín, es un coro a capella que llevan a cabo entre once y catorce cantantes. El grupo está dirigido por Michael McGlynn y su hermano gemelo John.

Invocación un título apropiado, como la palabra invocación significa "el acto de...un llamamiento a un espíritu...en busca de inspiración". Este álbum, al igual que todos los demás de Anuna, invocan al espíritu de Irlanda, que llega a través de los siglos, la combinación de fragmentos de textos celtas medievales y modernos con la armonización coral y los arreglos vocales, hábilmente diseñados y ejecutados por el compositor de Anuna el director Michael McGlynn. Con todo el respeto, de acuerdo con las críticas que categorizan a Anuna como "Celtic-New Age". Esta música no se parece a nada de lo que se ofrece en la música coral contemporánea en todo el mundo, y, al ser tan innovador, que desafía la categorización si pudiera ponerlo en una categoría, sería "una moderna Capilla de Música Coral con un toque irlandés antiguo". Esté preparado para una experiencia auditiva que inspirará su imaginación, el desafío que musicalmente, llegara a tu corazón.

"Invocación" ofrece un respiro Independientemente de la espiritualidad personal o sistema de creencias, música coral etérea, llena de tradiciones medievales y cantada en gaélico.

Aunque todas las pistas de este CD son una joya, es el último el que tal vez mejor resume la esencia de la "Invocación". Titulado "El viento en el mar", el texto del poeta místico Glungel Amergin del siglo Sexto proclamó,

"Yo soy el viento que sopla sobre el mar

Yo soy la ola en el océano

¿Quién sino yo puede arrojar luz sobre la reunión de las montañas?

¿Quién sino yo voy a llorar en voz alta los cambios de la luna?

¿Quién sino yo puede encontrar el lugar donde se esconde el sol? "

1. The Rising Of The Sun
2. Sleepsong
3. The Last Rose
4. Hin Barra
5. Winter, Fire And Snow
6. Under The Greenwood
7. Heia Viri
8. Song Of Oisin
9. Quis Est Deus
10. Peperit Virgo
11. Siuil, A Ruin
12. Goltrai
13. Innisfree
14. Wind On Sea

Red Buddha - Raindance

2011-07-22T16:05:00.000+02:00

Red Buddha, con su tercer lanzamiento Raindance, demuestra que tiene la sensación de muchos géneros musicales étnicos y sabe utilizarlos con habilidad desde los sonidos de la India a África. Las líneas electrónicas estan maravillosamente subrayadas por la voz, las flautas Indias de bambú y los sonidos rítmicos de percusión de djembes, tablas, congas y bongos inflamados de ritmo.

Personal:
Red Buddha (guitar, keyboards, bass guitar, tabla, percussion, programming);
Ustad Rais Khan (sitar);
Ali Akbar Khan (sarod);
S. Balachander (veena);
Lenny MacDowell (flute, bamboo flute).

1. Sometimes - Cosmic Orient remix by Red Buddha -9:11
2. Kokou -6:44
3. Raindance -7:24
4. Girl from Orissa -5:19
5. Khali Gandaki -6:55
6. Mswati -6:23
7. Touba -6:25
8. Preaching of Buddha -5:26
9. Katarajama -5:56
10. Patan Part 1 -8:01
11. Sufi Kalaam feat. Sufis Expressions - 9:14

Fairy World V - Part I Fées De Lumière

2011-07-20T16:28:00.000+02:00

Este CD sampler le invita a entrar en el universo musical de la etiqueta Prikosnovenie. En el corazón de las colecciones musicales "Mandalia" (música relajante) y "Solaris" (las voces femeninas de todo el mundo), para seguir el hilo de misterio. En la corriente de las culturas, las emociones sensibles y personajes de ensueño, le invita a sumergirse en una burbuja de música generativa.

01 Caprice - Sage
02 Maple Bee - Me And Rose
03 Valravn - Droemte Mig En Droem
04 Corde Oblique - Nostalgica Avanguardia
05 Lys - Le Pardon
06 Irfan - Star Of The Winds
07 Omasphere - Platoun
08 Poussiere D'etoiles - Sea The See
09 Stellamara - Aman Doktor
10 Alizbar - Clo's Dreams
11 Ivo Sedlacek - Sun
12 Crista Galli - Yama-Ho
13 Sava - Tros Y Garreg
14 Luigi Rubino - Last Dance

Nitin Sawhney - Beyond Skin

2011-07-19T16:35:00.000+02:00

Nitin Sawhney es un músico inglés, uno de los más reputados compositores de la actualidad, especialmente en lo referente a la fusión y a la electrónica. Su música ha pretendido siempre fusionar la tradición india con la moderna electrónica, con ritmos y sonidos urbanos, con breaks jazzy y otros estilos como el soul, el r&b, el funk o el flamenco.

Puede considerarse como música electro-étnica o, más sencillamente, como trip-hop y jazz-house con mucho sabor a música india. Es, en definitiva, una bella y lograda fusión de música oriental y modernidad occidental, un intento de acercar dos tradiciones alejadas, dos culturas bien diferenciadas que, en las talentosas manos de Sawhney, parecen haber sido creadas para ser fusionadas. Además, el inglés, tan magistral como prolífico, compone habitualmente bandas sonoras para películas, series de televisión, documentales, anuncios y obras de teatro, es un reputado actor, escritor y guionista y suele participar en los programas de debate político de la BBC inglesa. Se trata por tanto de un artista completo, que destaca en múltiples campos pero que es internacionalmente reconocido por sus álbumes de estudio: le han valido fama mundial y un merecido prestigio que le ha convertido en uno de los compositores más buscados y apreciados del momento.

Beyond skin: o cómo superar lo que parecía insuperable. Tres años después de Displacing the priest, el inglés Nitin Sawhney entrega una obra maestra que deja tan boquiabierto como lo está el rostro de la portada. Su cuarto álbum de estudio es tan bueno que hasta siento una especial responsabilidad al ponerme a escribir sobre él. Sawhney vuelve a cautivarnos con su extrema facilidad (es decir, talento) para fusionar estilos musicales muy diversos, logrando un sonido personal por el que es reconocido mundialmente. Una vez más, música tradicional india, electrónica, jazz, drum and bass, hip-hop y flamenco se dan la mano en un mismo álbum que, como no podía ser de otra forma tratándose de un trabajo del inglés, forman un todo perfectamente conjuntado y ensamblado. Guitarra española, textos rapeados o voces indias conviviendo a la perfección. Ahora bien, Beyond skin no es un gran disco sólo por su asombrosa fusión, sino, sencillamente, porque incluye temas magistrales, maestros, algunos de los mejores que ha dado la música electrónica. Se trata de un auténtico grandes éxitos, una colección de temas que por sí solos encumbrarían a cualquier artista.
http://lnx.indajaus.com/acidjazzhispano/content-1191.html

1. Broken skin. 5:05
2. Letting go. 5:37
3. Homelands. 6:57
4. The pilgrim. 5:22
5. Tides. 5:54
6. Nadia. 5:48
7. Immigrant. 7:17
8. Serpents. 7:16
9. Anthem without nation. 7:22
10. Nostalgia. 3:50
11. The conference. 3:18.
12. Beyond skin. 4:27

Temple Of Sound - Rizwan-Muazzam Qawwali - Peoples Colony No.1

2011-07-16T00:45:00.001+02:00

People's Colony No. 1 is a pan-cultural ocean of fat, clubby beats, dub, Asian and Middle Eastern dissonance, and the rhythmic wail of Sufi tradition. Resultantly, this collaborative effort--between Trans-Global Underground's Neil Sparkes and Count Dubulah (here under the moniker Temple of Sound) and Rizwan-Muazzam Qawwali, nephews of the world's finest and best-loved Qawwali singer, the late Nusrat--is a bewitching blend of dance-floor devotional music. Guest player Jah Wobble lays down the bones with his mighty bass, and Cuban violinist Omar Puente bows Arabic style. Tablas and stellar percussion fill layer upon layer while the Rizwan-Muazzam vocals burn with the ecstatic fervor of young men with a heavy torch. Missing the through-line warmth that'd put this release over the top, People's Colony No. 1 is an uneven though consistently intriguing offering. The singing nephews could use an expanded role throughout, as on the standout opening cut, "The Jewelled Heart." And the band, while always good, is its most shimmering version of gorgeous on the first and last compositions, both of which are, not coincidentally, co-written with Wobble. --Paige La Grone

Personal:
Rizwan Mujahid Ali Khan, Asif Maqbool Chishti (vocals);
Count Dubulah (guitar, strings, keyboards, programming);
Harry Beckett (trumpet, flugelhorn);
Rahat Fateh Ali Khan, Mushtaq Ahmed (harmonium);
Neil Sparkes (keyboards, drums, congas, bongos, surdo, tabla, zills, programming);
Cai Murphy (drum programming).

1 Jewelled Heart
2 Solar East
3 Beloved
4 Tears of Light
5 Paradise of Nada
6 Garden of Perfume
7 People's Colony No. 1
8 Palace At 4 AM
9 Wheel of Heaven
10 Love Moves the Sun

Sufi Soul- Echos Du Paradis

2011-07-15T16:46:00.003+02:00

Echos du Paradis es una buena visión de los diversos aspectos de la música sufí en todo el mundo. Mientras que la música esta generalmente mal vista por la ortodoxia islámica, el sufismo se abraza a fondo como un medio para acercarse a Dios.

Mientras que la tradición sufí musical de Pakistán está bien documentada en la prensa popular debido a la obra del fallecido Nusrat Fateh Ali Khan y sus predecesores, los hermanos Sabri (ambos representados con excelentes pistas en esta colección), la riqueza de las grandes obras de arte de esta la cultura religiosa a menudo sin precedentes. Esta entrega de dos CDs rectifican el problema con el estilo y la belleza. No sólo de Pakistán, sino tambien de Egipto, Senegal, Turquía, Uzbekistán, Afganistán, y muchos otros países de Asia y el Medio Oriente con ricas tradiciones de la vagamente definida música devocional con raíces sufíes, desde la más simple cantante solista de orquestas de percusión exuberantes, armoniosas, y voces agrupadas. Cada una de las 21 pistas con el alma Sufi es digno de tu atención: la increíble pasión de un coro de mujeres de Uzbekistán, el solo escaso, la flauta dulce del maestro del ney Hassan Kassayi, un tanbur raro (laúd) y la pista de voz por Ostad Elahi, una canción Balachi para sorud (violín). Hay pistas destacadas que es necesario mencionar. El sonido de tambor y Qanun (cítara) se unen en el Ensemble Al-Kindi en una obra dramática, con un sentimiento de vanguardia . Un sorprendente cantante persa, Khatereh Parvaneh, presenta la poesía de Rumi en una pieza en dastgah shour, que lleva a cabo con la ornamentación mínima al máximo, acompañado sólo por una cítara martillada. El artista Senegales Musa Dieng Kala ofrece una de las piezas vocales más emocionantes, una obra maestra a capella. Los cds se presentan con un libreto con grandes fotos y notas de excelente revestimiento sobre la historia y la música Sufi.

Disco: 1
1. Dastgah of Homayoun\Hassan Kassayi
2. Meditation\Sheikh Hamza Shakkur & Ensemble Al-Kindi
3. Dastgah of Shour\Khatereh Parvaneh
4. Devonah Shaw\Davlatmand\
5. He Has Not Come\Munadjat Yultchieva
6. Sheikh Ahmad-E-Jam\Mohammad Rahim Khushnawaz
7. Fangara Fangarie\Maalem Si Mohamed Chaouqi
8. Ashik Muslum Sumbul\Durnalar Sema'i\
9. Kafi of Shah Abdul Latif/Rag Lorrao\\Sohrab Fakir
10. Haqq Ali Ali\Nusrat Fateh Ali Khan

Disco: 2
1. Tekbir; Taleal Bedru Aleyna\Ercan Irmak
2. La Illah Illah Allah\The Women's Ensemble of Ferghana
3. Tala A Al-Badru Alaina\Fawzy Hafez
4. Saru Khani\Ostad Elahi
5. Dhamal Qalandar Shahbaz\\Husna Naz
6. Shakawtu (A Capella)\Musa Dieng Kala
7. Qasidat\Kani Karaca\
8. Zikr Hymn\Ahl-E Haqq Dervishes
9. Zikr Song\Qaderi Women From Kurdistan
10. Qalandari Tune (Khorasani)\Yar Mohammad
11. Kali Kamaliya Wale\The Sabri Brothers

Suba - Sao Paulo Confessions

2011-07-14T12:29:00.000+02:00

Sao Paulo es la ciudad más grande de América del Sur, hogar de aproximadamente 19 millones de habitantes. En 1992, esta megalópolis se clasificó como la tercera ciudad más grande del mundo, por detrás estan Tokio y Ciudad de México. En los alrededores de São Paulo, al igual que en cualquier ciudad del siglo 21, hay una gran diversidad y disparidad, entre lo súper chic, lo moderno, y la indigencia mas profunda. En São Paulo Confessions, el pianista brasileño nacido en Yugoslavia, productor y programador Suba mezcla la modernidad de los ritmos tecno y los bucles muestreados con músicas tradicionales de Brasil. Suba, que anteriormente tocaba el piano con Hermeto Pascoal y Suzano Marcos, produjo discos para conocidos artistas brasileños como Marina Lima, Ambrosio Mestre, Edson Cordeiro y Arnaldo Artunes, ha colaborado en São Paulo Confesiones con el percusionista João Paraíba y las vocalistas Cibelle y Taciana. Con percusión y voces en directo, además de una serie de melodías de guitarra acústica, añaden una profundidad enorme a las composiciones de Suba.

Todos los temas de "São Paolo Confessions" son brillantes, no hay ni uno sólo que debiera haberse quedado en el estudio, todas son piezas de impecable factura de parecen querer gritarle al mundo cuan talentoso era quién las creó. Claro que eso no es impedimento para que dos de los cortes del álbum destaquen, porque ya pueden considerarse dos cumbres de la electrónica, dos producciones inmortales que nunca se dejarán de escuchar (al menos no mientras algunos humanos sigan naciendo con sensibilidad musical). El primero es A felicidade (Happiness), una reinterpretación en clave electrónica del clásico de Vinicius de Moraes y Tom Jobim, aunque prácticamente puede hablarse de una nueva composición, porque el tratamiento de Suba es lo opuesto a un remix, no es producción adicional, sino una reconstrucción (o, más precisamente, deconstrucción), desde cero, obteniendo así un nuevo tema que conserva el espíritu y la emotividad del original, pero a través de recursos y sonoridades bien distintas. El segundo es Samba do gringo paulista (Paulista gringo’s samba), composición de Suba, probablemente el más atrevido tema de samba que ha dado la historia reciente. Un instrumental predominantemente percusivo perfecto para cualquier situación, desde la agitación de un masificado club de baile a la tranquilidad de una puesta de sol mediterránea, tinto de verano en mano. Suba creó en São Paolo Confessions la banda sonora perfecta para la imagen de São Paolo que vemos en la carátula y, extrapolando, para la São Paolo menos turística, la que no tiene cabida en las postales. Imprescindible.

Personal:

Suba (piano, keyboards, programming);

Cibelle, Katia B., Taciana, Joana Jones, Arnaldo Antunes (vocals);

Andre Geraissati, Luis Do Monte (acoustic guitar):

Kuaker, Edgard Scandurra (guitar);

Mestre Ambrosio (bass, percussion, rabeca);

Joao Parahyba (drums, percussion, samples).

Tantos Desejos (So Many Desires)

Você Gosta (I Know What You Like)

Na Neblina (In the Fog)

Segredo (Secret)

Antropófagos (Cannibals)

Felicidade (Happiness)

Um Dia Comum (Em SP) (A Normal Day (In São Paulo))

Sereia (Mermaid)

Samba Do Gringo Paulista (Paulista Gringo's Samba)

Abraço (Embrace)

Pecados da Madrugada (Sins Before Dawn)

A Noite Sem Fim (The Endless Night)

Never Been There - Ambience

2011-07-09T16:58:00.001+02:00

“Never Been There” fue un grupo de música New Age fundado en 1986 por el multi-instrumentista alemán Rudi Zapf.

Hay muchos sonidos interesantes y curiosos para ser escuchados, sin embargo, el instrumento destacado es el instrumento de cuerda Hammered Dulcimer.

Este album lo compre hace bastantes años fue uno de mis favoritos, es de los que mas escuchaba en mi reproductor de cd por su sonido limpio y refrescante.

Este fue su segundo album, El primero de Never Been There tiene un tema que aparecio en algun recopilatorio se llama Galapagos, y que en las emisoras de radio especializadas en NA y Nuevas Musicas se escucho hasta la saciedad junto con el tema Herbes de Provence que aparece en este segundo album.

Rudi Zapf Accordion, Dulcimer, Producer

Thomas Simmerl Producer, Drums, Percussion

Wolfgang Neumann Acoustic Guitar, Keyboards, Monochord

Hartmut Bremer Artwork

Jochen Scheffter Engineer

John Cremer Mastering

Lars Kurz Guitar (Electric)

Peter Vervier Photography

Roman Bunka Oud /Arabian Luthe

Ulrich Bassenge Guitar (Steel)

Track Listings
1. Watersong
2. Cousin Butterfly
3. Transsylvania Express
4. Rondo Madeira
5. Mozambique
6. B' Irish Melody
7. Herbes de Provence
8. Just Kiddin'
9. Donisl Waltz
10. Arrival

Jai Uttal - Footprints

2011-07-08T17:09:00.000+02:00

The debut album by Jai Uttal, featuring the soulful trumpet playing of Don Cherry, this album combines acoustic and sampled sounds from India, Turkey, Africa and the Middle East.

Jai Uttal, a sacred music composer, recording artist, multi-instrumentalist, and ecstatic vocalist, combines influences from India with influences from rock, folk, hip-hop and jazz creating a stimulating and exotic multi-cultural fusion that is truly world spirit music.

1 Footprints
2 Caravan
3 Andobar Island
4 Raghupati
5 Madzoub
6 Pahari
7 Snowview
8 Taking The Dust
9 Raghupati II
10 Bus Has Come

Red Buddha - China Exotic

2011-07-07T17:47:00.000+02:00

"China Exotic" la más reciente producción de Red Buddha, es un homenaje al instrumento más popular de China el "erhu". Un instrumento de cuerda lleno de energía y melodía. Además de los sonidos y ritmos occidentales. Red Buddha produjo y escribió estas pistas especialmente para la serie de televisión ZDF TV series "Global Vision - China Vol 1".

Títulos como White Bamboo, Ground Opera, Forbidden City, Tongli Water Garden, y Stone Buddha acompañado de la Linda Wong Ensemble y el flautista Lenny MacDowell, dan a esta producción un auténtico lujo musical contemporáneo. "China Exotic" refleja la complejidad de China y por lo tanto un nuevo viaje musical a través de la exótica China.

Personal:

Red Buddha (keyboards, drums, percussion, programming);

Ye Hong (vocals);

Zhao Yang-qin (zither);

Min Huifen, Yu Hong-Mei (erhu);

Yu Qiwei (gaohu);

Linda Wong Ensemble (strings);

Lenny MacDowell (flute, bamboo flute).

1 White Bamboo

2 Ground Opera

3 Stone Buddha

4 Tongli Water Garden

5 Forbidden City

6 Lusheng

7 Dream of the River

8 Night in Shanghai

9 Meditation See

Haci Tekbilek - Türlü

2011-07-04T17:20:00.001+02:00

Ahmet "Haci" Tekbilek musico y maestro del ney, mey, oud, saz, Surna, gaita, kaval y casi cualquier instrumento que se utiliza en la música tradicional turca.

Ahmet Tekbilek nació en Adana, una ciudad en la costa sur de Turquía, cerca de la frontera de Siria. Se le dio el apodo de Hadji por su padre, que esperaba que haría la peregrinación (Hadj) a La Meca. A los ocho años, mientras trabajaba como aprendiz de sastre, se encontró con un ney (flauta turca) en el ático y ha estado tocando desde entonces. Asistió a la escuela de música popular en su ciudad natal y comenzó a actuar a nivel local. A los quince años viajó a Estambul con un cantante popular y fue tomado bajo el ala de la influencia turca del baterista de jazz Burhan Baba, quien le enseñó la música clásica turca. Rápidamente se convirtió en uno de los más solicitados músicos de estudio de Estambul después trabajó con muchos de los principales artistas de Turquía, incluyendo las superestrellas Orhan Gencebay Muren y Zeki.

En 1974, Hadji se trasladó a Suecia para tocar con el baterista de jazz turco Okay Temiz’ group Oriental Wind, Suecia ha sido su hogar principal, ya que, con intermedios en Nueva York, y de vuelta a casa en Turquía. Ha viajado extensamente, actuando en los EE.UU., Alemania, Francia, Escandinavia, Israel, India y otros países. Más recientemente ha trabajado como profesor de música y con el Teatro Nacional de Suecia.

La música de Turquía se enciende con la influencia de los pueblos del país otomano, el romaní, la tradición popular de los pueblos aborígenes de esa región, la música sufí de Mevlevis y Derwishes; y una mezcla de influencias Mediterráneas, Grecia, los Balcanes. también se puede escuchar algo inquietantemente similar a la música irlandesa, así como un Stjul sueco. la música inquietante, hipnótica del multi-instrumentista y maestro Haci Tekbilek habita en un reino mágico donde todo esto se fusiona por arte de magia.

Jai Uttal and the Pagan Love Orchestra – Monkey

2011-07-01T08:29:00.000+02:00

Jai Uttal siguió su exitoso álbum debut con Monkey, un trabajo mucho más jazz funky. Todavía inmerso en la música tradicional popular de la India, los experimentos de Uttal con voces (la suya esta vez, en lugar de un cantante invitado), sintetizadores, y una sensación suave de jazz.

Todo se junta muy bien sobre el tema "I Won't Ask for More,"

Con cada tema proporciona un conjunto de ricas texturas, Uttal selectivamente sube el volumen para evocar una alegre Shangri-La de contrastes y meditaciones trance. Las pistas vocales de sus letras en Inglés/sánscrito, que se refieren a los asuntos del corazón, completan este interesante album que enaltece las unificaciones metafóricas de Oriente y Occidente.

http://jaiuttal.com/monkey/

Jai Uttal is a pioneer in the world music community. His eclectic east meets-west sound has put his music at the forefront of the world fusion movement. Jai Uttal's musical roots embrace a rich variety of cultures and traditions that span the globe and the centuries. From the hillbilly music of the Appalachian Mountains to the passionate strains of Bengali street singers, from the haunting rhythms and melodies of ancient India to contemporary electric rock sounds, Jai's music distills the essence of diverse musical forms.

Jai Uttal (vocals, acoustic guitar, synthesizer, harmonium, dotar, gopichand,

sarod, gubgubbi, kartals, percussion, samples, programming);

Mala Ganguly (vocals);

Will Bernard (guitar, mandolin, samples);

Charlie Burnham (violin);

Steve Gorn (bansuri);

Peck Allmond (soprano saxophone, cornet, trumpet);

Rob Vlack (piano, accordion, Hammond organ, synthesizer);

Bruce Linde (bass, acoustic guitar, samples);

Tom Brechtlien (drums);

Peter Apfelbaum (drums, percussion, soprano saxophone, qarqabas);

Geoffrey Gordon (dholak, dumbek, frame drum, bongo, percussion);

Daniel Paul Karp (tabla);

Tamiya Lynn (background vocals).

1. Monkey

2. Soldiers

3. The Hooded Serpent

4. I Won't Ask for More

5. Govinda

6. Ayodhya (Court of the King)

7. A Distant Episode

8. Heaven (Pts. 1 & 2)

9. Petition to Ram

10. Watching the Signs

Karsh Kale - Realize

2011-06-30T15:43:00.000+02:00

Karsh Kale (nació el 01 de noviembre 1974) es un músico americano productor y compositor que se ha hecho un nombre como figura principal en el mundo de la fusión global. Mediante la mezcla de géneros tan dispares como la música clásica de la India y el folk con la electrónica, rock, pop y la música ambiental, el sonido de Karsh ayuda a definir el fenómeno llamado Dubbed de finales de los noventa como (Asian Massive, Asian Underground). Karsh también es conocido por sus cuatro discos en solitario Realize, Liberation, Broken English y Cinema en Six Degrees Records, así como la grabación de colaboraciones con Tabla Beat Science y Breathing Under Water. Karsh es un musico con mucho talento, musico de clase mundial con la tabla compositor baterista, artista remix, DJ le han llevado a trabajar con algunos de los mejores artistas en el mundo, que representan un corte transversal de muchos géneros como Zakir Hussain, Sting, Paul Oakenfold, Ravi Shankar, Bill Laswell, Herbie Hancock, Lenny Kravitz, Dj Spooky, Sultan Khan, Midival Punditz, Anoushka Shankar y Shekhar Kapur por nombrar unos pocos. Kale ha pasado a concentrarse en el mundo del cine. En los últimos años Kale ha trabajado en películas de Bollywood y películas independientes como Dum Maaro Dum (Fox, Sippy Productions) , Ashes (Front Stoop, Ajay Naidu) , Karthik Calling Karthik ,Excel, Vijay Lalwani. también se ha hecho giras por todo el mundo con sus propios grupos, así como invitado, con un afán de sonido en todas las direcciones posibles.

http://karshkale.com/about/

Karsh Kale (vocal, piano, keyboards, drums, tabla, percussion, bells, gong, programming, drum programming, loops, sampler);
Sultan Khan (vocals);
Kirk Douglass (guitar);
Ajay Prasanna, Steve Gorn (bansuri).
Shahid Siddiqui (vocals)

1. Empty Hands
2. Light Up the Love
3. Deepest Blue
4. Fabric
5. Longing
6. Distance
7. Tour Guide
8. Anja
9. Home
10. Satellite
11. One Step Beyond
12. Saajana
13. Conception

Khamla Thanyaporn - Pia Harp Music - Northern Thai Folklore Music

2011-06-28T17:05:00.001+02:00

Khamla Thanyaporn pertenece a una nueva generación de musicos del norte de Tailandia provincia de Chiang Mai, cantante y compositora, ha ganado el premio a la mejor grabacion de musica popular tradicional de su region, se acompaña de guitarra, dulcimer tailandes, instrumentos de viento tradicionales y un instrumento muy curioso distintivo del norte de Tailandia el Phin Pia.

El Phin Pia es una especie de instrumento de cuerda pulsada. El cuerpo está hecho de cáscara de coco. Cuando el instrumento se toca, la parte abierta del coco se lleva contra el pecho desnudo del musico que lo sostiene con fuerza pegado o separado, según el tono de sonido deseado.

Los hombres del norte de Tailandia en los viejos tiempos utilizaban el Phin Pia para pasear por sus pueblos y cortejar a las jovenes. Sin embargo, el Gobierno prohibió la tarde de juego de la Pia Phin desde hace varias décadas debido a que los musicos a menudo se peleaban por las chicas y usaban la Phin Pia como armas. El resultado fué la disminución de la popularidad de la Phin Pia, quedando menos de diez musicos en las provincias altas del norte del país hasta que este instrumento popular ha sido ampliamente revivido en los últimos años por muchas instituciones educativas. La Phin Pia se toca generalmente en las ocho provincias de Lanna tailandés (Tailandia extremo norte) y por lo general tiene 1,2,3,4,5 y 7 cuerdas. En Lampang el de 4 cuerdas es ampliamente utilizado, mientras que en Chiang Mai "Phin Pia", los musicos prefieren ya sea el 2 o 3 versiones de cuerdas.

01 - Pia harp music - New City (4:16).
02 - Pia harp music - Savannah Long Bao (4:18).
03 - Pia harp music - harp music, Pia (4:51).
04 - Pia harp music - urban life (4:47).
05 - Harp Music Spring Rolls - All Sa Paulo (Reprise) (3:09).
06 - Pia harp music - New City (Reprise) (3:01).
07 - Pia harp music - kick my car sound Mia (3:48).
08 - Pia harp music - a Used Gwa to marry me (3:59).
09 - Harp music, spring rolls - the city's north. Southern Boy (2:40).
10 - Harp music, spring rolls - blooms Videos (2:46).
11 - Harp music, spring rolls - Ehืe bake it (4:19).
12 - Harp music, spring rolls - Monprai (4:18).